Jazz News
Jazz Nachrichten


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30. November

Don Butterfield

Der Tubaspieler Don Butterfield starb am 27. November in Cedar Grove, New Jersey, im Alter von 83 Jahren an den Folgen eines Schlaganfalls. Butterfield hatte ursprünglich Trompete spielen wollen, doch sein High School-Lehrer gab ihm stattdessen eine Tuba. Er studierte an der Juilliard School of Music, befreite das Instrument von den mit ihm verbundenen Oompah-Klischees und benutzte es auch als Melodieinstrument. Er nahm Platten mit Größen des Jazz und der Popmusik auf, von Dizzy Gillespie bis Frank Sinatra, war auf dem Soundtrack zum Film "Godfather: Part II" zu hören; er spielte außerdem für Fernsehwerbung und Film-Soundtracks.

Tubaist Don Butterfeld died November 27th in Cedar Grove, New Jersey, at the age of 83 of complications from a stroke. Butterfield had originally wanted to play the trumpet, but his high school teacher handed him a tuba instead which he studied at the Juilliard School of Music. Butterfield freed the instrument from its oompah stereotype and used it as a melody instrument as well. He recorded with many artists from the jazz and popular music world such as Dizzy Gillespie and Frank Sinatra; he could be heard on the soundtrack for "Godfather: Part II"; he also worked extensively as a studio musician for television commercials and movie soundtracks.

Francis Wong

Andrew Gilbert berichtet im San Francisco Chronicle über den Saxophonisten Francis Wong und seine Jazz Suite "Shanghai 1948", die am Samstag in San Francisco uraufgeführt wird. Wong wuchs in den späten 60er Jahren mit Geschichten darüber auf, wie sich seine Eltern nach dem II. Weltkrieg in Shanghai kennengelernt hatten, dann in die Vereinigten Staaten flüchteten und sich in San Francisco niederließen. Daraus machte Wong eine abendfüllende Suite mit einem Libretto der Dichterin Genny Lim und Musik einer Band, der neben Wong die Vokalistin Donna Kwon, der Pianist Jon Jang und der Kontrabassist Tatsu Akui angehörten. Die autobiographische Komposition spiegele Wongs verstärktes Interesse am Medium der Komposition wider, in der er ein Vehikel zur Erinnerung sieht. Die Improvisation mache diese zur lebendigen Erinnerung.

For the San Francisco Chronicle, Andrew Gilbert reports about the saxophonist Francis Wong and his jazz suite "Shanghai 1948" which will be premiered in San Francisco on Saturday. Wong grew up in the late 60s with stories about how his parents met in Shanghai after World War II, then fled to the United States and settled in San Francisco. From this story, Wong made an evening-length suite with a libretto by the poet Genny Lim and music from a band including besides Wong the vocalist Donna Kwon, the pianist Jon Jang and the double bass player Tatsu Akui. The autobiographic composition reflects Wong's recently increased interest in composition in which he sees a vehicle for memory. And improvisation makes that a living memory.

Musikförderung in Bayern / Music promotion in Bavaria

Das Land Bayern zieht sich weitgehend aus der Förderung von Musikfestivals zurück, berichtet Raimund Meisenberger in der Passauer Neuen Presse. Tatsächlich sei das keine neue Entwicklung, sondern schon vor zwei Jahren entschieden worden, seither aber sei die Finanzierungslücke durch den Kulturfonds ausgeglichen worden, der seinerseits nur zur Anschubunterstützung neuer Projekte gedacht ist und nicht für bereits bestehende Projekte. Betroffen sind Festivals aller stilistischen Ausrichtungen. Etablierte Festivals vertrauen darauf, dass der Freistaat sie schon nicht hängen lassen werde. Der Verantwortliche der Jazzwoche Burghausen klagt, dass heutzutage jeder Geldgeber wichtig sei, da es immer schwieriger werde, private Sponsoren zu finden. Bei Jazz an der Donau sieht man das zusätzliche Problem, dass man einen bestimmten Prozentsatz an öffentlichen Geldern benötige, um eine Befreiung einzelner Ensembles von der Ausländersteuer zu beantragen.

The German state of Bavaria is more and more cutting its subsidies for music festivals, reports Raimund Meisenberger in the Passauer Neuen Presse. This is not a new development, he writes, but was decided two years ago. In the meantime specific cultural funds were able to bridge the funding gap. These funds, though, were mainly aimed at new projects not at already existing festivals. Established festivals believe that the state will help them if the need arises. The organizers of the Jazzwoche Burghausen complain that nowadays each and every sponsor is important as it is harder and harder to find private sponsors. The organizers of Jazz an der Donau point out that they need a certain percentage of public subsidies to be able to receive an exemption from foreigner's tax for specific ensembles.


29. November 2006

Christian McBride

Christian Broecking spricht für die Berliner Zeitung mit dem Bassisten Christian McBride, der jüngst mit HipHop-Künstlern zusammenarbeitet. Der beklagt, dass Jazzer manchmal denken, wenn ein Kollege sich für ein Projekt dem Pop zuwende, sei er dem Jazz verloren. McBride spielte bereits mit Musikgrößen wie Sting, James Brown, Wynton Marsalis oder Herbie Hancock, seine eigenen Bands aber höre man eher in kleinen Clubs, schreibt Broecking. McBride kritisiert den Neid, den man ihm entgegenbringe, nur weil er auch anderswo aktiv und erfolgreich sei: als Uni-Dozent etwa oder als stellvertretender Leiter des Jazzmuseum in Harlem.

For the Berliner Zeitung, Christian Broecking talks to the bassist Christian McBride who recently collaborated with hip hop artists. McBride complains that the jazz world sometimes thinks that whoever worked in the pop field for a specific project is lost for jazz. He has played with musicians such as Sting, James Brown, Wynton Marsalis or Herbie Hancock, but his own bands can be heard mostly in small clubs, writes Broecking. McBride complains about the envy he feels from others, only because he is successful in other fields as well: as a university professor for instance or as vice president for the Jazz Museum in Harlem.

Walter Booker

Der Kontrabassist Walter Booker starb am 24. November in New York nach einem Herzanfall im Alter von 72 Jahren. Booker begann das Kontrabassspiel erst mit 26 Jahren in der Armee. Er spielte in den 60er Jahren mit Donald Byrd, Stan Getz, Sonny Rollins, Thelonious Monk und anderen. Booker benutzte gern vokal wirkende Effekte, Gissandi, Tremoli. Während seiner Soli tänzelte er oft mit seinem Instrument. Von 1969 bis 1975 wirkte er in der Band des Saxophonisten Cannonball Adderley, danach bis 1981 im Trio von Sarah Vaughan, später mit John Hicks und Nat Adderley. Er war mit der Pianistin Bertha Hope verheiratet.

The double bass player Walter Booker died November 24th in New York after a heart attack at the age of 72. Booker started playing the double bass at the age of 26 when he was in the army. He played with Donald Byrd, Stan Getz, Sonny Rollins, Thelonious Monk and others in the 60s. Booker liked to make use of vocal effects, glissandi or tremolos. During his solos he often danced with his instrument. From 1969 to 1975 he played in the band of the saxophonist Cannonball Adderley, after that until 1981 in the trio of Sarah Vaughan, later with John Hicks and Nat Adderley. He was married to the pianist Bertha Hope.


28. November 2006:

Elmau

Klaus von Seckendorff besuchte für die Frankfurter Rundschau ein Konzert von und für Schloss Elmau, das, weil das Hotel im Sommer 2005 bei einem Brand schwer beschädigt wurde und erst zu Pfingsten 2007 wieder öffnen wird, eine Art kulturelles Lebenszeichen war und im Münchner Prinzregententheater stattfand. Es begann mit Filmszenen des brennenden Hotels, dann kam ein Bekenntnis des Hotelchefs zum Jazz, dann sagte der Programmmacher Ralf Dombrowski den ersten von zehn kurzen Sets an. Trio Orientacion, Ferenc Snetberger, Markus Stockhausen, Michael Riessler, Yaron Herman, Renaud Garcia-Fons im Duo mit Kiko Ruiz, Viktoria Tolstoy und Jacky Terrasson. Höhepunkte aber waren die jungen Deutschen: Michael Wollny und das Trio /em/, das - so Seckendorff - in 30 Sekunden mehr Spannung schuf als in 1 Stunde zuvor zu hören gewesen war, sowie Michael Schiefels Soloperformance ("Staunen im Publikum, brausender Beifall").

For the Frankfurter Rundschau, Klaus von Seckendorff attended a concert by and for Schloss Elmau, taking place at the Prinzregententheater in Munich because the Hotel was heavily damaged during a fire in 2005 and will only be reopened in the summer of 2007. The program, meant as a cultural sign of life of the famed hotel, started with film scenes of the burning hotel, then the hotel owner expressed his commitment to jazz, then the artistic director Ralf Dombrowski announced the first of ten short sets. Trio Orientacion, Ferenc Snetberger, Markus Stockhausen, Michael Riessler, Yaron Herman, Renaud Garcia-Fons in a duo with Kiko Ruiz, Viktoria Tolstoy and Jacks Terrasson. The highlights, though, were some of the young Germans: Michael Wollny and the Trio /em/ which - as Seckendorff observes - created more tension in 30 seconds that could be heard during the 1 hour before, as well as Michael Schiefel's solo performance ("amazement in the audience, rapturous applause").

Hohenlimburg

Michael Schuh spricht für die Westfälische Rundschau mit dem 69jährigen Saxophonisten Herbert Bodzin über seine persönliche Liebe zum Jazz und die Geschichte des Jazz in der westfälischen Stadt Hohenlimburg. 1957 war Bodzin an der Gründung des Hohenlimburger Jazzclubs beteiligt gewesen, der bei den biederen Bürgern der Stadt als Lasterhöhle verrufen war, aber eigentlich "harmlos und anständig" gewesen sei. Bodzin blieb dem Jazz und seiner Heimatstadt treu, auch als er als Maschinentechniker nach Neuss zog. Der Club habe 1964 seine Pforten geschlossen, als die Beatmusik dem Jazz das Wasser abgrub. Neben Musik hat Bodzin später auch seine Liebe zur Malerei und Metall-Bildhauerei entdeckt, traf sich 1995 mit alten Weggefährten zu einem Revival-Konzert und ist auch heute noch ab und an als Saxophonist zu hören.

For the Westfälische Rundschau, Michael Schuh talks to 69 year old saxophonist Herbert Bodzin about his love of jazz and the history of jazz in the Westfalian city of Hohenlimburg. In 1957, Bodzin was one of the founders of the Hohenlimburg jazz club which had a bad reputation among the worthy citizens but in reality was "innocent and decent". Bodzin kept his love for jazz and his hometown alive, even when he had to move to Neuss to work as a machine technician. The club closed in 1964, when beat music replaced jazz everywhere. Bodzin later also discovered a love for painting and metal sculpturing; he met in 1995 with some old friends for a revival concert and still can he heard from time to time as a saxophonist.

David Murray

Christian Broecking spricht für die TAZ mit dem Saxoponisten David Murray darüber, wie wichtig es gerade heutzutage auch für Musiker sei, eine politische Meinung zu haben - und kundzutun. Murrays neue CD "Political Blues" nehme den Faden von Archie Shepps "Attica Blues" oder Mingus' "Fables of Faubus" wieder auf. Die Tradition schwarzer Musik sei nun mal der Widerstand, meint Murray. Man solle das nicht vergessen, wenn man schwarze Musik überall auf der Welt imitiere: "Wir, mein Volk, sind die Erfinder." Murray sieht sich immer noch ein wenig als Opfer der Marsalis-Regierung im New Yorker Jazz. Von Machtmissbrauch spricht er, wenn er über Jazz at Lincoln Center sinniert, und in "Bluecrazy" rechne er mit den Neotraditionalisten um Marsalis ab. Ja, es gäbe gewiss europäischen Jazz, aber wenn man Blues und Gospel aus der Musik herausfiltere, dann habe man die beiden wesentlichen Elemente afro-amerikanischer Musik gelöscht. Wenn er einige der Ergebnisse einer solchen selbst-ernannten Avantgarde höre, gehe er lieber an die Bar, erzählt er Broecking, "oder in den nächsten Hiphop-Laden, um sich nicht zu langweilen".

For the TAZ, Christian Broecking talks to the saxophonist David Murray about how important it is for a musician especially in these days to have his own political opinion - and state it. Murray's new CD "Political Blues" continues in the line of Archie Shepp's "Attica Blues" or Mingus' "Fables of Faubus". Black music's tradition is resistance, Murray says. Everybody who imitates Black music all over the world should keep that in mind: "We, the people, are the originators." Murray sees himself a bit as a victim of the Marsalis control over New York's jazz scene. He talks about abuse of power when pondering about Jazz at Lincoln Center, and in "Bluecrazy" he reckons with the neo traditionalists around Marsalis. Yes, there is something like European jazz, but if you filter out blues and gospel from the music, then you erase the two essential elements of African American music. Whenever he hears the results of such a self-appointed avantgarde, he rather goes to the bar, he tells Broecking, "or to the next hip hop place, in order not to feel bored".


27. November 2006

Taj Mahal

Joel Selvin berichtet im San Francisco Chronicle über den Gitarristen und Sänger Taj Mahal. Der mag Berkeley nicht mehr so besonders, es sei "Yupsterella-Land". In den 70er Jahren hatte er selbst hier gelebt, nachdem er die Stadt während der Studentenproteste der 60er als fortschrittliches Jugendpflaster kennengelernt hatte. Mahal bekommt dieser Tage alle möglichen Ehrungen; im nächsten Jahr feiert er sein 40jähriges Jubiläum als Plattenkünstler. In seiner Karriere hat der Bluesmusiker auch mit Miles Davis und den Rolling Stones gespielt. Die Familien seiner Eltern stammten aus der Karibik, erzählt er, sein jüngster Bezug auf Bob Marley sei also auch ein wenig Familiengeschichte. Er gehe gerne fischen und rauche gerne kubanische Zigarren. Außerdem engagiere er sich für biologische Landwirtschaft, auch weil er die landwirtschaftliche Seite der Gesellschaft als Teil seiner Musikgeschichte begreife. Mahal lernte das Gitarrenspiel von einem Neffen Arthur 'Big Boy' Crudups, der in der Nachbarschaft lebte. Seine erste Platte von 1967 machte ihn sofort zu einem Star. Er sieht sich in einer Linie mit den großen Bluesmeistern von Mississippi John Hurt über Muddy Waters bis Howlin' Wolf. Er mag auch die weißen britischen Bluesmusiker, Van Morrison etwa oder Brian Jones. "Alles kommt von irgendwo her. Diese Typen haben's gut gemacht."

For the San Francisco Chronicle, Joel Selvin reports about the guitarist and singer Taj Mahal. Mahal is not so fond of Berkeley any more these days, calling it "Yupsterella land". In the 70s he lived there after he got to know the city during the student revolts as a progressive and young place. Mahal has received many honors recently; next year he will celebrate his 40th record anniversary. In his career he also had played with Miles Davis and the Rolling Stones. His parents' families originate from the Caribbean, he says, thus his recent use of Bob Marley material is a bit of family history. He likes to go fishing and to smoke Cuban cigars. He is engaged in organic farming as he sees agriculture as a part of music history. Mahal learned to play guitar from a neighbor, a nephew of Arthur 'Big Boy' Crudup. His first record in 1967 made him a star. He sees himself in the tradition of the great blues masters, musicians such as Mississippi John Hurt, Muddy Waters or Howlin' Wolf. He also likes white British blues musicians such as Van Morrison or Brian Jones. "Everything's coming in from everywhere. Those guys did good."


26. November 2006:

Andrej Hermlin

Stefan Hentz berichtet in Die Welt über den Pianisten Andrej Hermlin, Sohn des Schriftstellers Stephan Hermlin, der mit seinem Swing Dance Orchestra der Swingära Reverenz erweist. Die Band kopiere ein Zeitgefühl, meint der Bandleader, und es sei ihm wichtig, dass die Swingmusik in den 30er Jahren nicht nur eine Musik für reiche Leute gewesen sei. Seine Musiker kleiden sich ordentlich, denn "Inszenierung ist Teil der Show". Aber auch musikalisch liegt die Latte hoch: Hermlin will nicht nur die Noten treffen, sondern auch den Sound der großen Bands der Swingära: Benny Goodman, Jimmie Lunceford, Glenn Miller oder Tommy Dorsey. Für ihn höre diese Art von Musik 1945 auf, danach hätten selbst die berühmtesten Orchester "diesen Biss, diese Leidenschaft, diese Verve" nicht mehr so hingekriegt. Nun ja, darüber kann man geteilter Meinung sein, aber immerhin liegt Hermlin auch an jenem Grundelement des Jazz, der Improvisation.

For Die Welt, Stefan Hentz reports about the pianist Andrej Hermlin, son of the writer Stephan Hermlin, who celebrates swing music with his Swing Dance Orchestra. The band copies the emotion of an era, he says and explains that one thing he likes about swing music is that is was not merely music for rich people. His musicians dress in proper band uniforms, because "staging is part of the show". Musically, too, he sets the bar high: Hermlin does not just want to play the notes but to emulate the sound of the famous swing bands: Benny Goodman, Jimmie Lunceford, Glenn Miller or Tommy Dorsey. For him, this kind of music stopped in 1945; whatever the famous bands played thereafter lacked "the bite, the passion, the verve". Well, one might argue about this, yet Hermlin, after all, also favors another basic element of jazz: improvisation.

Warren Bell

Die New Orleans Times-Picayune berichtet vom Tod des Saxophonisten Warren Bell, der am 22. November im Alter von 77 Jahren während einer Dialyse in New Orleans verstarb. Musikalisch begann Bell als Teenager in der Doky Chase Band, einer der ersten Bands in New Orleans, die sich dem Bebop widmete. Anstatt nach New York zu gehen und eine professionelle Musikerkarriere einzuschlagen, widmete Bell sich dann lieber seiner Familie, arbeitete 37 Jahre lang für eine Supermarktkette und spielte Musik nur an den Wochenenden. In den 50er und 60er Jahren tourte er aber auch mit der Bigband von Dave Bartholomew, spielte außerdem mit Ray Charles, Cab Calloway und Nancy Wilson und trat regelmäßig beim New Orleans Jazz and Heritage Festival auf.

The New Orleans Times-Picayune reports the death of the saxophonist Warren Bell who died November 22nd at the age of 77 from complications while undergoing kidney dialysis in New Orleans. Musically, Bell began as a teenager with the Doky Chase Band, one of the first bands in New Orleans to play bebop. Instead of moving to New York to follow a professional career as a musical career Bell decided to stay with his family, worked in a super market chain for 37 years and only played music on the weekends. In the 50s and 60s, though, he also toured with the big band of Dave Bartholomew; he played with Ray Charles, Cab Calloway and Nancy Wilson and could be heard regularly at the New Orleans Jazz and Heritage Festival.


24. November 2006

Anita O'Day

Die Sängerin Anita O'Day verstarb am 23. November in einem Krankenhaus in West Los Angeles im Alter von 87 Jahren, wo sie sich nach einer Lungenentzündung erholen sollte. Dennis McLellan berichtet in der Los Angeles Times, Adam Bernstein in der Washington Post, Nate Chinen in der New York Times, Steve Voce in The Independent, John Fordam im Guardian. O'Day wurde 1919 in Chicago geboren, verließ ihre Familie im Alter von 12 Jahren und machte mit 14 bei Tanzwettbewerben mit. Mit 19 sang sie in Nightclubs, und 1941 engagierte Gene Krupa sie für seine Band. Mit dessen Trompeter Roy Eldridge nahm sie im selben Jahr "Let Me Off Uptown" auf, ihren ersten großen Hit. In den 40er Jahren arbeitete sie mit den Bigbands von Stan Kenton und Woody Herman; zur selben Zeit begannen auch ihre Probleme mit Drogen. 1947 folgte eine Verhaftung wegen des Besitzes von Marijuana, 1952 wegen Heroin. Ihre Heroinabhängigkeit besiegte sie 1968. 1960 trat sie beim Newport Jazz Festival auf, und ihre im Film "Jazz on a Summer's Day" festgehaltenen Interpretationen von "Tea for Two" und "Sweet Georgia Brown" waren so erfolgreich, dass sie von vielen Jazzvokalisten nachgeahmt wurden. In den frühen 70er Jahren lebte sie in einem billigen Hotel in Los Angeles, konnte dann ein Comeback feiern, das in ihrem Auftritt in der populären Fernsehshow "60 Minutes" kulminierte. O'Day wurde 1990 zum ersten Mal für einen Grammy nominiert und 1997 vom National Endowment for the Arts als American Jazz Master geehrt.

The singer Anita O'Day died November 23rd at the age of 87 in a West Los Angeles hospital after recuperating from pneumonia. Dennis McLellan reports in the Los Angeles Times, Adam Bernstein in the Washington Post, Nate Chinen in the New York Times, Steve Voce in The Independent, John Fordam in the Guardian. O'Day was born in 1919 in Chicago, left her family at age 12 and participated in dance marathons with 14. With 19 she sang in night clubs, and in 1941 she joined Gene Krupa's band. With Krupa and his trumpeter Roy Eldridge she recorded "Let Me Off Uptown" in 1941 which became her first big hit. In the 1940s she worked with the big bands of Stan Kenton and Woody Herman; at the same time she met her first drug problems. In 1947 she was arrested for the possession of marijuana, in 1952 she went to jail because of the use of heroin. She overcame her heroin addiction only in 1968. In 1960, she performed at the Newport Jazz Festival; her interpretation of "Tea for Two" and "Sweet Georgia Brown", documented in the film "Jazz on a Summer's Day", were so successful that many jazz vocalists tried to imitate her. In the early 70s she lived in a cheap hotel in Los Angeles but had a comeback later which culminated in a performance in the popular TV show "60 Minutes". In 1990, O'Day was nominated for a Grammy for the first time, and in 1997 she was honored by the National Endowment for the Arts as American Jazz Master.

Jamie Cullum (4)

Josef Engels besuchte für Die Welt das Berliner Konzert des Sängers und Pianisten Jamie Cullum. Modisch schräg gekleidet sei er schnell zur Sache gekommen, unbekümmert, "als befände er sich bloß beim Bandwettbewerb in einer Schulaula". Eine geschickte Mischung habe er geboten: Standards wie "Old Devil Moon" genauso wie Jimi Hendrix' "Wind Cries Mary". Und wer so singt, meint Engels, habe nicht nur Frank-Sinatra-Scheiben im Plattenschrank, sondern auch solche von Mark Murphy. Aber eigentlich ginge es dem Briten ja gar nicht so sehr um die Jazzfans, die sich eh seltener in seine Konzerte verirrten. Und so hätten eben auch Popsongs von N.E.R.D., Radiohead und Justin Timberlake Platz in seinem Repertoire, und ab und an bespringe er den Flügel oder greife in Britpop-Manier zur Gitarre. Trotz solcher Einlagen resümiert Engels begeistert: "Jamie Cullum wird weiterhin ein großer Musiker sein."

For Die Welt, Josef Engels attended the Berlin concert of the singer and pianist Jamie Cullum. Fashionably dressed, he got into his spin fast, easygoing, "as if he played for a band contest in the school auditorium". He offered a nice mix: standards such as "Old Devil Moon" as well as Jimi Hendrix' "Wind Cries Mary". Engels comments: Whoever sings like that cannot just have a Frank Sinatra collection but also must own some records by Mark Murphy. But Cullum did not really cater to the few die-hard jazz fans in his audience. And thus he also played pop songs by N.E.R.D., Radiohead and Justin Timberlake. And from time to time he jumped on the piano or grabbed the guitar in best Britpop manner. Despite such showy stage tricks, Engels is sure: "Jamie Cullum will continue to be a great musician."

Francois Tusques

Ein paar Tage keinen Computer sehen - und ein Wochenende in Paris hat eh schon Billy Strayhorn gelobt in seinem Song "Lush Life". Dort spielte am Freitag der legendäre französische Free-Jazz-Pionier Francois Tusques im 7 Lézard, dem kleinen, aber programmreichen Club im Marais-Viertel. Im Trio mit dem Bassklarinettisten Denis Colin und dem Schlagzeuger Noel McGhie gab es ein Programm, das sich eher an Monk und Mingus orientierte als an freier Improvisation. Schöne Bluespartien, intime Dialoge zwischen Klavier und Bassklarinette, daneben aber auch etwas aufdringliche Schlagzeugsoli. Ein schlecht gestimmtes (und eh der Musik Tusques' nicht angemessenes) Upright-Piano und leider gar nicht so viel Publikum, dennoch ein lohnenswerter Besuch.

A couple of days without a computer - and, after all, a "week in Paris" is a thing Billy Strayhorn already praised in his song "Lush Life". There, at the small Marais-based club 7 Lézards, the French pianist and free jazz pioneer Francois Tusques could be heard on Friday. He played together with the bass clarinetist Denis Colin and the drummer Noel McGhie in a program closer to Monk and Mingus than to free improvisation. There were nice bluesy parts, intimate dialogues between the piano and the bass clarinet, but also somewhat obtrusive drum solos. A badly tuned upright piano (an instrument definitely not made for a musician like Tusques) and not too many people in the audience, yet a worthwhile visit.


23. November 2006

Christian Tamburr

Jack McCray berichtet im Charleston Post and Courier über den Vibraphonisten Christian Tamburr, der am Sonntag in einem Konzert der Charleston Jazz Society spielt. Tamburr ist von der lokalen Musikszene der Stadt begeistert, vom Enthusiasmus für kreativen Jazz. Er studierte an der University of North Florida, wo er auch die Mitglieder seiner momentanen Band kennenlernte. Mittlerweile tritt er in den großen Clubs des Landes auf, folgte gerade erst auf eines seiner großen Idole, Bobby Hutcherson, im Dizzy's Club Coca Cola in New York. Man spüre die ganze Tradition seines Instruments in seinem Spiel, sagt Bob Masteller, Clubbesitzer in Hilton Head Island, bei dem Tamburr seit 1999 regelmäßig auftritt. Er sei aber nicht nur ein großartiger Techniker, sondern habe immer auch sein Publikum im Sinn.

For the Charleston Post and Courier, Jack McCray reports about the vibraphonist Christian Taburr who will perform on Sunday for the Charleston Jazz Society. Tamburr is excited about the local music scene in Charleston as well as about its enthusiasm for creative jazz. He studied at the University of North Florida where he met the members of his current band. Meanwhile he plays the big clubs of the country; he just followed one of his idols, Bobby Hutcherson, into the Dizzy's Club Coca Cola in New York. He embodies the whole tradition of his instrument in his playing, says Bob Masteller, club owner in Hilton Head Island who engaged Tamburr regularly since 1999. He is not just a great technician but always keeps his audience in mind, as well.

Cassandra Wilson (2)

Stefan Michalzik besuchte Cassandra Wilsons Konzert für die Frankfurter Rundschau in der Höchster Jahrhunderthalle, das gerade mal "einige hundert Zuschauer" angezogen hatte, obwohl sie noch vor gar nicht so langer Zeit den weit größeren Saal der Frankfurter Alten Oper ansehnlich hatte füllen können. Angefangen habe das ganze mit Anleihen aus dem Poprepertoire, "mit synthieverschliertem Intro und einer am Keyboard produzierten Klarinette. Schaurig". Die Musiker seien sicher hervorragend gewesen, nur sei das alles reichlich "versuppt". Wenige Glanzlichter wie dieses: "Cyndi Laupers 'Time After Time' ist zur Gitarrenballade umgemünzt eine Nachtmusik, die ihre Spannung aus dem Verhaltenen zieht." Aber abschreiben will Michalczik die Sängerin nicht und meint lapidar und sportlich: "Nehmen wir es lieber als Formschwäche." Dasselbe Stück übrigens, schreibt "oeh", der fürs Hamburger Abendblatt das Hamburger Konzert der Sängerin besuchte, hatte "im Schneckentempo etwas geradezu Quälendes". Das ganze Konzert über - keine Spannung, "kein bisschen Swing"; und im Vorprogramm habe der afrikanische Perkussionist Lekan Babalola eine halbe Stunde lang "auf dem Niveau eines Dreijährigeren" herumgetrommelt und Unverständliches über die Yoruba-Religion erzählt. Die Verärgerung dieses Rezensenten klingt denn auch eher, als habe er sich persönlich beleidigt gefühlt durch die Musik. Man ahnt, dass vielleicht die Stimmung nicht richtig rüberkam, dass dieser Kritiker aber auch nicht wirklich bereit war, sich auf den Abend einzulassen und von dem zu abstrahieren, was er vielleicht gerne gehört hätte.

For the Frankfurter Rundschau, Stefan Michalczik attended Cassandra Wilson's concert at the Höchster Jahrhunderthalle which drew only "some hundred people", although not long ago she nearly filled the much bigger hall at Frankfurt's Alte Oper. It all started with a song from the pop repertoire "with a synthesizer-blurred intro and a clarinet produced on the keyboard. Spooky". The musicians were excellent, but somehow everything ended in a big "soup". Few highlights like this: "Cyndi Lauper's 'Time After Time' was turned into a guitar ballad, a night music which draws its tension from the reposeful." The same tune, by the way, writes "oeh" who visited the singer's Hamburg concert for the Hamburger Abendblatt, "had something downright agonizing at its snail's pace". The whole concert - no tension, "no swing whatsoever"; and as an opening act the African percussionist Lekan Babalola for half an hour pounded "at the level of a three year old" on his instruments and told incomprehensible stories about the Yoruba religion. "oeh" was obviously annoyed and sounds as if he had been personally insulted by the concert. One suspects that perhaps the atmosphere did not convey to the audience, but also that this critic might not have been willing to approach the evening according to the artist's plan and to abstract from what he might have wanted to hear.

Jamie Cullum (3)

Martin Zips traf sich für die Süddeutsche Zeitung mit dem Pianisten und Sänger Jamie Cullum. Er resümiert, das, was Robbie Williams versucht habe, sei Jamie Cullum gelungen: Er habe den Jazz entstaubt und einem größeren Publikum zugänglich gemacht. In England würden nur wegen ihm plötzlich Tausende unbedingt Klavierspielen lernen. Zips erzählt Cullums noch junge Lebensgeschichte, davon, dass er für sein erstes Album einen Kredit aufgenommen habe. Vom Geheimtipp sei er mittlerweile zum Megastar geworden und man könne nur hoffen, dass sein großes Talent nicht - wie im Showbusiness üblich - allzu schnell verbrenne. Nächstes Jahr wolle er ein wenig Pause machen vom Tourneerummel und ... Noten lernen. "Kein Witz. So richtig vom Blatt spielen, das kann er nämlich bis jetzt nicht."

For the Süddeutsche Zeitung, Martin Zips met the pianist and singer Jamie Cullum. He concludes that Cullum succeeded in what Robbie Williams tried: He brushed the dust off jazz and made it accessible to a larger audience. Because of him, suddenly thousands in England want to learn to play the piano. Zips tells about Cullum's as yet short life story, how he drew on a credit to finance his first album. From an insider's tip Cullum has meanwhile become a mega star, and it is to he hoped that his great talent won't burn too fast - as often happens in show business. Next year Cullum plans to pause a bit from his heavy touring schedule and ... wants to learn to read music. "No joke. Sight-reading so far is not one of his biggest assets."


Jazz News, 22. November 2006

Dave Weckl

"Schlagzeuger Dave Weckl kommt nach Hause" titelt Calvin Wilson in der St. Louis Post-Dispatch seinen Artikel über ein bevorstehendes Engagement des in St. Louis gebürtigen Drummers in seiner Heimatstadt. Weckl erzählt, dass sein Vater vor allem Dixielandplatten besessen habe, insbesondere von Pete Fountain. Von dessen Schlagzeuger Jack Sperling habe er sich viel abgeguckt. An Chick Corea gefalle ihm vor allem dessen enorme Energie und die Tatsache, dass in seiner Musik die musikalische Kreativität immer im Vordergrund stehe. Seine eigene Band mit dem Saxophonisten Gary Meek, dem Keyboarder Jay Oliver und dem Bassisten Tom Kennedy mische Einflüsse aus elektrischem Jazz, Funk und World Music.

"Drummer Dave Weckl comes home" is the title Calvin Wilson gave to his article in the St. Louis Post-Dispatch about a concert by the St. Louis native in his hometown. Weckl reports that his father had a big Dixieland record collection, especially by Pete Fountain. Fountain's drummer Jack Sperling was, in a sense, his first drum teacher as he learned a lot from listening to those records. Weckl is impressed by Chick Corea's energy and by the fact that he puts musical creativity first. His own band with the saxophonist Gary Meek, the keyboardist Jay Oliver and the bassist Tom Kennedy plays a fusion of electric jazz, funk and world music.

Robert Lockwood Jr.

Der Mississippi-Delta-Bluesgitarrist und -sänger Robert Lockwood Jr. starb am Dienstag in einem Clevelander Krankenhaus an den Folgen eines Schlaganfalls im Alter von 91 Jahren. Lockwood hatte mit 11 Jahren Unterricht bei der Blueslegende Robert Johnson genommen, der eine Weile bei Lockwoods Mutter wohnte. Lockwood trat als Straßenmusikant und in Bars auf und beeinflusste B.B. King, der ihn in den 40er Jahren im Radio hörte. In den 50er Jahren zog Lockwood nach Chicago und spielte auf Platten von Little Walter, Sunnyland Slim, Roosevelt Sykes und anderen. Seit 1960 lebte er in Cleveland. Zwei seiner Platten wurden 1998 und 2000 für einen Grammy nominiert.

The Mississippi delta blues guitarist and singer Robert Lockwood Jr. died Tuesday in a Cleveland Hospital after a stroke at the age of 91. Lockwood had taken guitar lessons with blues legend Robert Johnson at the age of 11 when Johnson lived with Lockwood's mother for a while. Lockwood performed on street corners and in bars and was an influence on B.B. King who heard him on the radio in the 40s. In the 50s, Lockwood moved to Chicago and played on record by Little Walter, Sunnyland Slim, Roosevelt Sykes and others. Since 1960 he lived in Cleveland. Two of his records were nominated for a Grammy in 1998 and 2000.

Art Jackson

Am Sonntag starb der Saxophonist Art Jackson in Kansas City im Alter von 86 Jahren, wie Joyce Tsai im Kansas City Star berichtet. Jackson war mit Charlie Parker in die Lincoln High School gegangen und spielte neben dem Saxophon auch Klarinette, Flöte und Trompete. Als Einflüsse nannte er Coleman Hawkins und Ben Webster. Er war lange Zeit Mitglied der in Kansas City bekannten Band The Scamps. Selbst nachdem er gesundheitliche Probleme bekam, trat Jackson noch zwei bis dreimal pro Woche auf. Er hatte geplant, im nächsten Herbst seine Verlobte Mason Byrd zu heiraten, mit der er bereits in die Schule gegangen war und die er erst vor vier Jahren wiedergetroffen hatte.

On Sunday the saxophonist Art Jackson died in Kansas City at the age of 86, as Joyce Tsai reports in the Kansas City Star. Jackson had been a classmate of Charlie Parker at Lincoln High School and besides the saxophone he played clarinet, flute as well as trumpet. His influences were musicians such as Coleman Hawkins and Ben Webster. For a long time he was member of the locally well-known band The Scamps. Even after his health started to worsen, he performed two or three times a week. For next fall, he had planned to marry his fiancée Mason Byrd, whom he had gone to school with and whom he had met again only four years ago.

Gerald Wilson

Für Lee Bailey's EurWeb interviewt Deardra Shuler den 88 Jahre alten Trompeter und Arrangeur Gerald Wilson. Er hatte von klein auf eine gute Musikausbildung, lernte Trompete, Harmonielehre, Orchestrieren, Klavier, Perkussion und vieles andere. All das sei die Grundlage gewesen, erzählt er, die ihn dazu befähigte, später Filmmusiken und sogar eine Auftragskomposition für die Los Angeles Philharmonic zu schreiben. Mit 21 spielte Wilson in der Band Jimmie Luncefords, dann bei Benny Carter und Les Hite, und gründete schließlich sein eigenes Orchester, dem Musiker wie Melba Liston und Snooky Young angehörten. Erst in den letzten Jahren aber ist Wilsons Arbeit ausgiebig gewürdigt worden, durch Ehrungen und Grammy-Nominierungen. Er komponiere auch gern für klassische Ensembles und habe sogar Country-and-Western-Musik geschrieben, aber Jazz sei seine wirkliche Liebe, verrät er. Er mache sich keine Gedanken darüber, wie die Nachwelt über ihn denke, schließlich liest er schon zu Lebzeiten genügend Lobendes. Außerdem habe er noch viel zu tun.

For Lee Bailey's EurWeb, Deardra Shuler interviews the 88 year old trumpeter and arranger Gerald Wilson. He had a good music education from his childhood on, learned to play the trumpet, studied harmony, orchestration, piano, percussion and much more. All of that was the basis, he says, which enabled him to write film scores and even a composition for the Los Angeles Philharmonic. At the age of 21, Wilson played in the band of Jimmie Lunceford, then with Benny Carter and Les Hite, finally formed his own orchestra in which musicians such as Melba Liston and Snooky Young played. Only in recent years his work has been honored extensively through numerous prizes and Grammy nominations. He also likes to compose for classical ensembles, and even wrote some country and western music, but jazz is his true love. He doesn't think about how posterity will see him, as he reads enough nice things about himself during his lifetime. And, after all, there is still a lot to do.


Jazz News, 21. November 2006

Jamie Cullum (2)

Jakob Buhre interviewt für Planet Interview den Pianisten und Sänger Jamie Cullum. Der überprüft erst einmal ein paar Textzeilen seines Songs "I want to be a Popstar" auf ihre Richtigkeit - mittlerweile hat er da ja Erfahrung. Plattenverkaufen sei gar nicht so einfach, am besten sei es aber schon, wenn man darauf vertrauen würde, was man wirklich gern an Musik machen wolle. Er habe schon mit 17 schicke Jobs in Hotels gehabt und das durchaus genossen. In der Popwelt gehe es reichlich viel ums Styling, das versuche er möglichst zu umgehen. In den USA seien ihm Leute begegnet, die sich in allem, was sie trugen, offenbar an ihm orientierten, das sei ein seltsames Gefühl gewesen. Er habe bei einer Audi-Werbung mitgewirkt, gar nicht als Hauptfigur, sondern nur nebenbei, aber er habe dafür einen Audi erhalten. Er habe nichts gegen Werbung und interessiere sich eigentlich gar nicht für Autos. Im tiefsten herzen wolle er große Kunst schaffen, der Erfolg sei da nur ein Bonus. Er würde nie wieder einen Song von Radiohead covern. Wenn er nicht Musiker wäre, wäre er wohl gern Schriftsteller geworden. Der Vertrag über 1.5 Millionen Euro mit Universal Music sei eine PR-Geschichte gewesen, dabei habe es sich um Geld gehandelt, dass die für Marketing etc. ausgegeben hätten, er habe diesen Betrag nie gesehen. Zuhause spielt er immer noch in kleinen Clubs - das wird dann nicht beworben, sondern nur über eine Internetnotiz bekanntgegeben. Wäre er eine Comicfigur, so wäre er gern Asterix.

For Planet Interview, Jakob Buhre interviews the pianist and singer Jamie Cullum. They examine some lines from his song "I want to be a Popstar" to see whether they hold true - by now, after all, Cullum is experienced in that job. It is not that easy to sell records, he says, the best is if you trust your own taste in music. He played in elegant hotels when he was 17 and he enjoyed the job. Within the pop world fashion and styling is very important, he is not so keen about that. In the USA he met people who dressed like him, that was quite eerie. He participated in a commercial for Audi, and received a car for it. He doesn't mind working for commercials, but he is not interested in cars at all. He does want to create great art; success is just an extra bonus. He would never again cover a song by Radiohead. If he had not become a musician he would like to have been an author. The 1.5 million Euro contract with Universal Music is mostly a PR story, most of this money went into marketing etc., he himself didn't see that amount. At home he still plays in small clubs - his gigs there are advertised only through internet notes. If he were a comic figure he would like to be Asterix.

Tony Bennett

Der Sänger Tony Bennett feierte im August seinen 80sten Geburtstag und wurde nun mit einem TV Special geehrt. Charles Gans war dabei und berichtet im San Francisco Chronicle über die siebenwöchigen Dreharbeiten im Los Angeles Theater. Als Regisseur fungierte Rob Marshall, dessen Filme "Chicago" und "Memoirs of a Geisha" Oscars gewonnen hatten. Zu den Gaststars gehörten Barbra Streisand und Stevie Wonder. Marshall wollte eine Art Varieté-Show des 21sten Jahrhunderts produzieren: "Ich wolle eine Geschichte erzählen und zugleich unterhalten und ging es mehr wie einen Film als wie ein Fernseh-Special an." Er engagierte Billy Crystal, Catherine Zeta-Jones, Bruce Willis, John Travolta und Robert De Niro, die alle zum gewerkschaftlichen Standardtarif auftraten, um die Lebensstationen Bennetts zu erzählen. Elton John ist zu hören und Michel Buble, und Marshall berichtet, dass all die jungen Musiker sich ziemlich hätten anstrengen müssen, um mit dem 80-Jährigen mitzuhalten. Man habe das Theater in einen After-Hours-Jazzclub verwandelt, in ein Columbia-Studio aus den 50er Jahren, in ein Fernsehstudio aus den 60ern, in die Bühne der Carnegie Hall. Am Schluss habe Bennett, begleitet vom Pianisten Bill Charlap, sein Titelstück "I Left My Heart in San Francisco" gesungen, ganz allein, vor einem leeren Saal.

The singer Tony Bennett celebrated his 80th birthday in August and now is honored by a TV special. Charles Gans reports in the San Francisco Chronicle about the seven week filming at the Los Angeles Theater. The director was Rob Marshall whose movies "Chicago" and "Memoirs of a Geisha" had won Oscars. Among the guests were stars like Barbra Streisand and Stevie Wonder. Marshall wanted to produce a variety show for the 21st century: "I wanted to tell a story and at the same time entertain and approached it more as a film than as a television special." He enlisted Billy Crystal, Catherine Zeta-Jones, Bruce Willis, John Travolta and Robert De Niro all of whom worked for scale to narrate the biographical stations of his life. Elton John is part of the show as is Michael Buble, and Marshall reports that all the younger musicians had a hard time to keep up with the 80-year old. The theater was transformed into a 1940s after-hours club, a 50s Columbia recording studio, a 60s TV studio, the stage of Carnegie Hall. At the end, Bennett, accompanied by the pianist Bill Charlap, sang his signature tune "I Left My Heart in San Francisco", alone, to an empty hall.


Jazz News, 20. November 2006

Jazz Foundation of America

Nat Hentoff beschreibt in der Village Voice die Arbeit und die Notwendigkeit sozialer Selbsthilfe im der Jazz Community. Er berichtet, wie Jazzmusiker, die nicht mehr im Rampenlicht stehen, leicht durch das soziale Netz fallen, ohne Renten- oder Krankenversicherung und ohne Erspartes. Wynton Kelly sei ohne einen Penny gestorben. Phineas Newborn sei in einem Armengrab beigesetzt worden. Vor 17 Jahren taten sich New Yorker Musiker zusammen, um in der Jazz Foundation of America eine Art Solidarfond zu schaffen, der hilfsbedürftigen Jazzmusikern zur Seite stehen kann. Kein geringerer als Dizzy Gillespie, der 1993 an Krebs im Endstadion behandelt wurde, fragte damals seinen Arzt, den Onkologen Frank Forte, der zugleich Jazzgitarrist ist, ob es nicht eine Möglichkeit gäbe, dass auch Musiker, die sich das eigentlich nicht leisten können, die medizinische Versorgung erhielten, die er erhielt. Die Geschäftsführerin der Stiftung, Wendy Oxenford, erzählt, dass der durchschnittliche Antragsteller seit mindestens 20 Jahren nicht mehr beim Arzt gewesen ist. Hinter der Foundation stehen Individuen wie Jarrett Lilien, Manager der Firma E*Trade Financial, der Geld für Wohnraum für Hunderte Musiker und ihre Familien zur Verfügung stellte. Auch Agnes Varis, Inhaberin der Firma Agvar Chemicals Inc. zählt zu den Geldgebern, auf die Oxenford rechnen kann. Diese beiden werden zusammen mit der Geschäftsführerin im Januar eine Ehrung der International Association for Jazz Education (IAJE) entgegennehmen, konkret für die Hilfe, die sie Betroffenen nach Hurricane Katrina anbieten konnten, aber ganz allgemein auch für die Idee einer musikalischen Solidargemeinschaft. (Mehr: www.jazzfoundation.org)

For the Village Voice, Nat Hentoff writes about the need for social self help within the jazz community. He reports how jazz musicians who are no longer in the spotlight fall through the social net, with no pension fund or medical plans or other resources. Wynton Kelly died without a penny; Phineas Newborn Jr. was buried in a pauper's grave. 17 years ago, some New York musicians decided to change that and founded the Jazz Foundation of America, sort of a solidarity fund to help jazz musicians in need. Dizzy Gillespie himself, while hospitalized during his fight against cancer, asked his oncologist Frank Forte whether he could find a way to get the medical care he was getting for musicians who would not be able to afford it. The executive director of the foundation, Wendy Oxenford, tells Hentoff that the average caller at the foundation had not seen a doctor for at least 20 years. Backing the foundation are individuals such as Jarrell Lilien, head of E*Trade Financial, who provided the funds to house hundreds of musicians and their families. Another individual Oxenford can count on is Anges Varis of Agvis Chemicals Inc. Both as well as the executive director herself will be honored in January by the International Association for Jazz Education (IAJE). They will be honored for the help they gave to musicians during the aftermaths of Hurricane Katrina, but also for the general idea of a musical community of solidarity. (More: www.jazzfoundation.org)

Soweto Kinch

Sophie Morris unterzieht den Saxophonisten Soweto Kinch für The Independent dem Wochen-Medien-Test. Was er gehört, gesehen, gesurft habe in der vergangenen Woche, wird er gefragt. Er habe letzte Woche in der Zeitschrift Jazzwise einen Artikel über die Ästhetik des aktuellen Jazz gelesen und im Independent über das Schauspiel "Skins". Auf BBC4 habe er John Humphrys' Diskussionssendung "Looking for God" gehört; im Fernsehen eine Dokumentation über Hogarths Bilder und Stiche; im Internet sei er auf die Website von Donzi D gesurft.

Fort The Independent, Sophie Morris talks to the saxophonist Soweto Kinch and asks him about what he heard, saw and surfed last week. He read an article in the magazine Jazzwise about the aesthetics of today's jazz, and in The Independent about the new drama "Skins". On the radio, he listed John Humphrys' discussion about "Looking for God" on BBC4; on TV he watched a documentary about Hogarths paintings and engravings; on the web he visited the website of Jonzi D.


Jazz News, 19. November 2006

Miles Davis

Pat H. Broeske berichtet in der New York Times über Strategien, anlässlich seines 80sten Geburtstages Leben und musikalisches Schaffen des Trompeters Miles Davis erneut und breit zu vermarkten. Der Dichter Quincy Troupe, Co-Autor der Autobiographie des Trompeters, hat aus seinen Erinnerungen an die Zusammenarbeit, die vor sechs Jahren unter dem Titel "Miles and Me" erschien, ein Drehbuch erarbeitet, das nun verfilmt werden soll. Auch Davis' Erben planen eine Filmbiographie, in der Don Cheadle den Trompeter spielen soll. Davis sei Zeit seines Lebens eine durchaus problematische Figur gewesen, man habe ihm Vorurteile gegen Weiße vorgeworfen, und er habe viele Fans verprellt, weil er mit dem Rücken zum Publikum gespielt habe. Seine ehemalige Frau meint, ein Film über ihn müsse genauso über seine Kunst berichten wie über seinen Zorn. Nach der Veröffentlichung seiner Autobiographie habe sich schon Walter Yetnikoff die Rechte zu einem Film gesichert. Dann habe Marvin Worth eine Option darauf gehabt, der aber starb 1998. Schließlich sei Troupes Buch erschienen. Troupe hatte Miles zum erstenmal 1954 live in St. Louis gehört. Er sei 1985 von der Zeitschrift Spin beauftragt worden, Davis zu interviewen. Der habe erstmal mit Troupes Dreadlocks gespielt und ihn gefragt, wie er die so hinbekomme. Troupe habe daraufhin Miles' Hand weggeschlagen und sich verbeten, dass der seine Privatsphäre verletze. Miles sei erst sauer gewesen, dann aber sei es ein 10-Stunden-Interview geworden. Und weitere 10 Stunden am nächsten Tag. Und im nächsten Jahr erhielt Troupe den Auftrag, mit Miles an seiner Autobiographie zu arbeiten. Miles sei eigentlich ein schüchterner Mensch gewesen, meint Troupe, die raue Fassade sei zur dazu dagewewesen, die Menschen auf Abstand zu halten. Seine letzte Freundin sei eine Jüdin gewesen, Jo Gelbard, die ihm auch das Malen beigebracht habe. Er sei in ihren Armen gestorben, nach seinem Tod aber hätten die Erben gerichtlich versucht, ihr die von ihr und Miles gemeinsam geschaffenen Gemälde abzusprechen. Gelbard hat ein Buch über ihre Beziehung zu Miles geschrieben, dass sie online verkauft. Er sei komplex gewesen, sagt sie, und sicher auch gewalttätig. Aber eben auch ein Genie, und "Danke für die Musik".

In the New York Times, Pat H. Broeske reports about strategies to market Miles Davis' life and music in the year of his 80th birthday. The poet Quincy Troupe who served as co-author for the trumpeter's autobiography, wrote his memoirs about the collaboration which was published as "Miles and Me" in 2000. It served as basis for a screenplay which is about to be filmed. Davis' estate is planning a biopic as well in which Don Cheadle is rumored to play the trumpeter. Davis was a problematic figure during his lifetime, reports Broeske, he was accused of prejudices against whites and alienated many of his fans by playing with his back to the audience. His former wife thinks that a movie about his life should talk about his art as well as about his rage. After his autobiography was published, Walter Yetnikoff had acquired the rights for a movie version. Then Marvin Worth had an option on it, but he died in 1998. Finally, Troupe's book was published. Troupe had heard Miles for the first time in 1954 in St. Louis. Spin magazine assigned the task of an interview with Miles to Troupe in 1985. He arrived at Davis' home, and the first thing Miles did was to play with Troupe's dreadlocks and ask him how he had gotten his hair like that. Troupe slapped Miles' hand away and told him he did not go for Miles to invade his personal space. Miles was a bit shocked at first, but then the interview went on for 10 hours. And ten hours the next day as well. The year after, Troupe was asked to work on the autobiography with Miles. In reality, Davis was a shy person, says Troupe, the mean guy image was just there to keep the people away from him. The last woman he was with was Jewist, Jo Gelbard, who also taught him how to paint. He died in her arms, yet his estate tried to get control over the paintings Gelbard and Miles had created together. Gelbard herself has published a book about their relationship which she sells online. He was very complex and certainly also violent, she says. But he also was a genius, and "thanks for the music".


Jazz News, 18. November 2006

Ruth Brown

Am Freitag verstarb die Bluessängerin Ruth Brown in Las Vegas im Alter von 78 Jahren. Alle größeren Tageszeitungen der USA (und anderswo) bringen Nachrufe. Aus dem Geld, das sie dank eines Vergleichs mit der Plattenfirma Atlantic erhalten hatte, gründete sie 1988 die Rhythm and Blues Foundation, die sich als Ziel setzte, für Bluesmusiker ihre vor allem von Plattenfirmen vorenthaltene Tantiemen einzutreiben. Obwohl Brown in den 50er Jahren eine der erfolgreichsten R&B-Sängerinnen war, musste sie sich und ihre Kinder in den 60ern mit Jobs als Zimmermädchen oder Busfahrerin über Wasser halten. Die Sängerin beeinflusste viele andere R&B-Sänger, darunter Stars wie Little Richard. Brown wurde in Portsmouth, Virginia, geboren. Zwei Versionen ihrer jungen Karriere: Los Angeles Times: Sie gewann als Teenager einen Talentwettbewerb im Apollo Theater in Harlem, sang mit den Bands von Lucky Millinder und Blanche Calloway, dann empfahl Duke Ellington dem Atlantic-Produzenten Ahmet Ertegun, sie unter Vertrag zu nehmen. New York Times: Sie sang als Teenager in Clubs der Marinekasernen nahe ihrer Heimatstadt, lief von zuhause fort, um den Trompeter Jimmy Brown zu heiraten (der allerdings schon verheiratet war) und wurde von Lucky Millinder engagiert, der sie zufällig in Detroit gehört hatte. Der entließ sie wieder, als sie in Washington spielten, dort hörte sie Willis Conover, der sie Freunden bei Atlantic Records empfahl. Jedenfalls: Auf dem Weg zum Vertragsabschluss geriet sie in einen Verkehrsunfall, der sie für fast ein Jahr ins Krankenhaus brachte. Ertegun und sein Partner bei Atlantic Records unterstützen sie, obwohl sie noch keinen Ton für die Firma aufgenommen hatte. Sie sei die Verbindung zwischen den Red Hot Mamas des Blues der 20er Jahre und den R&B-Diven der 50er, meint Blueshistoriker David Ritz. Ende der 50er Jahre engagierte sich Brown auch in der Bürgerrechtsbewegung. 1961 lief ihr Vertrag bei Atlantic aus. 1968 brachte sie eine weit beachtete Platte mit der Thad Jones-Mel Lewis Bigband heraus, spielte in Musicals und Fernsehserien. Ihr wirkliches Comeback feierte sie in den 80er Jahren, als sie neue Platten aufnahm und im Musical "Black and Blue" am Broadway auftrat.

On Friday the blues singer Ruth Brown died in Las Vegas at the age of 78. All bigger newspapers in the USA (and elsewhere) publish obituaries. A settlement with Atlantic Records enabled her to create the Rhythm and Blues Foundation in 1988 which aims at getting unpaid royalties and musical credit for R&B and blues musicians. Although Brown herself had been one of the most successful R&B singers of the 50s, she had to work as a maid and a bus driver in the 60s to support herself and her children. The singer influenced many other R&B singers, among them even stars like Little Richard. Brown was born in Portsmouth, Virginia. Her early career is told in (at least) two versions: Los Angeles Times: Sie won a talent show at the Apollo Theater in Harlem as a teenager, then sang with the bands of Lucky Millinder and Blanche Calloway before Duke Ellington recommended her to Ahmet Ertegun of Atlantic Records who signed a contract with her. New York Times: Sie sang in clubs at the marine bases close to her home, then ran away from home to marry the trumpeter Jimmy Brown (who, as it turned out, was already married) and was engaged by Lucky Millinder who heard her at a Detroit club. He fired her again in Washington, D.C., where she was heard by Willis Conover who recommended her to friends at Atlantic Records. Anyway: On her way to signing the contract she had a traffic accident which resulted in her spending nearly one year at the hospital. Ertegun and his partner at Atlantic Records supported her, even though she had not yet recorded even one note for the label. She is the link between the red hot mamas of 1920s blues and the R&B divas of the 50s, says blues historian David Ritz. In the late 50s Brown became involved with the civil rights movement. In 1961 her contract with Atlantic ended. In 1968 she recorded with the Thad Jones-Mel Lewis Big Band, later appeared in musicals and TV series. Her real comeback only happened in the 80s when she recorded again and performed on Broadway in the musical "Black and Blue".

New Orleans Second Line

Die American Civil Liberties Union, berichtet Ann M. Simmons in der Los Angeles Times, verklagt die Stadt New Orleans und das Büro des Gouverneurs von Lousiana, weil diese weit überhöhte Gebühren für Paraden verlangen. Die Gebühren wurden erhöht, nachdem Schießereien in diesem Jahr zu einem Toten und mehreren Verletzten während Paraden geführt hatten. Sie betragen jetzt mindestens 1.200 Dollar, außerdem muss eine Sicherheit in Höhe von 10.000 Dollar hinterlegt werden. Diese Vorgaben würden die Social Aid and Pleasure Clubs von den Paraden abhalten, die eine lange Tradition in New Orleans haben und eng mit der Jazzgeschichte verbunden sind. ACLU vertritt beim Prozess 21 Vereine, ihre Prozessgegner sind Bürgermeister Ray Nagin, der Polizeipräsident Warren J. Riley und die Gouverneurin Kathleen Babineaux Blanco. Die höheren Gebühren seien notwendig, um einen erhöhten Schutz der Paraden durch Polizeibegleitung zu gewährleisten, sagte Riley. Die Kläger argumentieren, es sei verfassungswidrig, wegen des Publikumsverhaltens höhere Gebühren zu erheben. Tatsächlich habe es schon lange Probleme zwischen Polizei und Second Line (dem solche Paraden begleitenden begeisterten und oft mit-tanzenden Publikum) gegeben. Die Kläger fürchten, dass die Gebühren den Vereinen, die alle unter den Folgen von Hurricane Katrina zu leiden hatten, einen weiteren Schlag versetzen würden. Von den 55 Social Aird and Pleasure Clubs vor Katrina gäbe es eh nur noch etwa 30 und viele hätten während der Überflutung ihre Versammlungsstätten, Kostüme, Instrumente und Festumzugswagen verloren. Die Paraden seien Teil der Bürgeridentität in New Orleans, man müsse sie bewahren, nicht verhindern.

As Ann M. Simmons reports in the Los Angeles Times, the American Civil Liberties Union sues the city of New Orleans and the office of the governor of Louisiana because they are imposing excessive fees and unfair permit rules on organizations that hold parades. The fees were raised after one person was killed and several were wounded in shootings during parades earlier this year. The fees now start at 1.200 dollars, a state bond of 10.000 dollars has to be posted as well. Such fees keep the Social Aid and Pleasure Clubs from holding their parades which have a long tradition in New Orleans and are closely connected to the history of jazz. ACLU represents 21 groups; the defendants are Mayor Ray Nagin, police superintendent Warren J. Riley and governor Kathleen Babineaux Blanco. The higher fees are necessary to pay for extra escort officers, says Riley. The plaintiffs argue that "imposing fees because of the behavior of a hostile audience is constitutionally impermissible". There have been problems between part of the police and the Second Line before. The plaintiffs fear that the raised fees would be another blow to the clubs, which still are recuperating from the aftermath of Hurricane Katrina. Of the 55 Social Aid and Pleasure Clubs before Katrina only about 30 are left, and many lost their meeting venues, costumes, instruments and floats in the flooding. The parades are part of the city's identity; they should be preserved, not obstructed.

Jamie Cullum (1)

Matthias Hannemann interviewt für die Frankfurter Allgemeine Zeitung den Pianisten und Sänger Jamie Cullum. Der ist viel unterwegs und findet, dass Live-Musik etwas ganz Einmaliges sei und sich weder mit Sex, Kino noch gutem Essen vergleichen lasse. Manchmal wolle er aber auch einfach nur heim, um die Freundin, die Katze, die Mutter und den Vater zu umarmen (in der Reihenfolge). Er habe ein eigenes Haus, das gleich neben dem seines Bruders stünde, und ein Klavier in der Küche. Er fühle sich als Europäer, auch wenn er durch und durch britisch sei. Wenn er nicht Musiker geworden wäre, hätte er sich gerne als Schriftsteller versucht. Er habe nie richtig Klavierunterricht gehabt, glaubt aber, das Instrument mittlerweile einigermaßen zu verstehen. Auf Hochzeiten und Kreuzfahrtschiffen zu spielen sei eine wichtige Schule für ihn gewesen. Er verstehe sich selbst als Jazzer, aber auch als Popmusiker, vielleicht sei "Musik-Irrer" die richtige Beschreibung. Er strebe eine dauerhafte Karriere an, was im heutigen Musikbusiness gewiss schwierig sei.

For the Frankfurter Allgemeine Zeitung, Matthias Hannemann interviews the pianist and singer Jamie Cullum. Cullum travels a lot and thinks that live music is very unique, cannot be compared to sex, the movies or good food. Sometimes he just wants to go home to hug his girl friend, his cat, his mother and his father (in that order). He owns a house, which stands next to his brother's house, and he has a piano in the kitchen. He sees himself as a European, even though he is British to the core. Had he not become a musician he would have liked to be an author. He never had regular piano lessons, but believes that by now he understands his instrument pretty well. It was important for him to play for weddings and on cruise ships. He sees himself mainly as a jazz musician, but he knows that he is a pop musician as well; perhaps the correct term might be "music crazy". He plans for a steady career which is a difficult feat in today's music business.


Jazz News, 17. November 2006

Bill Frisell

Richard Harrington sprach für die Washington Post mit dem Gitarristen Bill Frisell über sein Konzert mit dem "Unspeakable Orchestra", dessen Musik wenig mit dem gleichnamigen Album zu tun habe. Er habe den Titel nur benutzt, weil er halt da war, es fiele ihm immer schwer, Dinge zu benennen. Die Musik selbst habe sich über die Jahre entwickelt. Jazz sei für ihn eine Art zu denken und Musik zu machen, nicht so sehr ein klar abgegrenzter Stil. Als er vom Berklee College kam, sei er ein Hardcore-Bebop-Anhänger gewesen. In den frühen 80er Jahren machte er sich einen Namen bei ECM-Produktionen, arbeitete dann mit Musikern aus dem Kreis der New Yorker Knitting Factory zusammen und wurde Anfang der 90er Jahre mit seinen eigenen Projekten bekannt, die mehr und mehr auch Country-Elemente miteinbezogen. In seinem neuen Album mit Ron Carter und Paul Motian finden sich all die unterschiedlichen Einflüsse, von Monk bis Hank Williams. Sein erster Einfluss allerdings sei Jimmie Dodd gewesen, der Gastgeber des "Mickey Mouse Club", der eine "Mousegetar mit einer Zeichnung von Micky Maus drauf" gespielt habe. Frisell habe sich dann aus Pappe eine eigene Gitarre gebastelt mit Gummibändern statt Saiten.

For the Washington Post, Richard Harrington talked to guitarist Bill Frisell about his concert with the "Unspeakable Orchestra" which plays music that is quite different from the album by the same title. He always has trouble to call things which is why he used the title. The music itself has developed through the years. For Frisell, jazz is "a mind-set, a process, a way of approaching music rather than a style". When he finished at Berklee, he was a hardcore bebop fan. In the early 80s he played on several ECM records, worked with musicians around New York's Knitting Factory, then made a name for himself in the early 90s with his own projects which more and more made use of country elements. On his new album with Ron Carter and Paul Motian all of these influences can be found, from Monk to Hank Williams. His first influence was Jimmie Dodd, host of "The Mickey Mouse Club" who played "'his Mousegetar with a drawing of Mickey Mouse on it'. Frisell soon constructed his own - a cardboard cutout with rubber bands for strings."

Maria Schneider

Für die New York Times trifft Ben Ratliff die Komponistin Maria Schneider, die gerade an einer Komposition arbeitet, die in Wien aus Anlass des 250sten Geburtstags von Wolfgang Amadeus Mozart aufgeführt werden soll. Beim Komponieren nimmt sie gern einzelne Phrasen, auf dem Klavier gespielt, auf Band auf, hört sie an, während sie sich im Zimmer bewegt, um zu spüren, wie es sich anfühlt, die Musik zu tanzen. "Das hilft mir zu sehen, wie es wirklich ist, was vielleicht etwas länger sein sollte." Das Klavier spielt sie nicht auf der Bühne, da steht sie vor ihrem Orchester und dirigiert. Ihre 17-köpfige Band besteht nun schon seit 13 Jahren, finanziert durch Stipendien und Tourneen und neue Vertriebsstrukturen ihrer Platten (ArtistShare). Schneider wuchs in einem kleinen Ort in Minnesota auf. "Wenn es kaum Unterhaltung gibt, dann ist Dein Leben voller Fantasie", sagt sie. Ihr Vater entwickelte Maschinen zur Weiterverarbeitung von Flachs, flog mit einem eigenen Flugzeug zu seinen Kunden und nahm sie oft mit. Nach ihrem Studium an der Eastman School of Music wurde sie Assistentin von Gil Evans. Ratliff und Schneider hören Evans' "Concierto de Aranjuez", aufgenommen mit Miles Davis. Evans sei wie ein Couturier, der wisse, wie man die Frauen perfekt anziehe. Evans wisse, wie man Solisten perfekt mit Klängen einkleide, damit sie wunderschön klingen. Seine Arrangements seien wie ein Uhrwerk, bei dem jedes Rädchen mit jedem anderen Rädchen irgendwie in Verbindung stehe. Die Musik und der Solist seien eine Einheit. Ein Brasilienaufenthalt 1998 habe ihr Leben verändert. Die Selbstverständlichkeit der Musik dort habe sie enorm beeindruckt, die Tatsache, dass Leben und Musik eins seien. Danach habe sie sich mit Samba und Flamenco auseinandergesetzt und diese Einflüsse auch in ihre Musik aufgenommen. Ja, sie verstehe sich immer noch als Jazzkomponistin, auch wenn ihr die Schublade manchmal zu eng sei. Ratliff und Schneider hören "A Mamdade Nao Tem Fim" von Velha Guarda da Portela und Jimmy Webbs "Up - Up and Away" der Gruppe Fifth Dimension, bei dem sie auf den Einfluss Gil Evans' deutet. "In dem Stück gibt es sechs Tonartenwechseln, wenn nicht noch mehr. Da läuft es mir kalt den Rücken runter. Wer traut sich bloß, so etwas zu schreiben? Es moduliert so oft wie 'Giant Steps'."

For the New York Times, Ben Ratliff meets with composer Maria Schneider who works on a new composition to be performed as part of the 250th birthday celebrations of Wolfgang Amadeus Mozart in Vienna. When she composes, she likes to play some phrases, record them and move around the room while listening to the playback, in order to see how it feels when danced. "It helps me figure out where things are, and what needs to be longer", she says. She doesn't play the piano on stage, though, where she stands in front of the band and conducts. Her 17 piece ensemble exists since 13 years and is financed through grants and touring and an innovative system of distributing her records on the label ArtistShare. Schneider grew up in a small town in Minnesota. "When your entertainment isn't provided for you, your life is full of fantasy", she says. Her father designed machinery for processing flax, flew his own plane to his customers and often she accompanied him on these flights. After attending Eastman School of Music she became Gil Evans' assistant. Ratliff and Schneider listen to Evans' "Concierto de Aranjuez", recorded with Miles Davis. Evans is like a couturier, she says, who knows how to dress women to make them look incredible. Evans know how to dress the soloists perfectly so that they sound beautiful. His arrangements are "like a watch, where every little gear attaches to something else. The music and the soloist are an inseparable entity." A trip to Brazil changed her life. She was impressed by how natural music is conceived there, by the fact that life and music seem to be one. After that she used elements of samba and of flamenco in her own music. Yes, she thinks of herself as a jazz composer, even if the stereotype does not always fit. Ratliff and Schneider listen to "A Mamdade Nao Tem Fim" by Velha Guarda da Portela and to Jimmy Webb's "Up - Up and Away" as sung by the Fifth Dimension in which she points out Gil Evans influence. "That tune modulates six times, if not more. Ah. I get chills. Who could dare to write that? It modulates as much as 'Giant Steps' does."

Europa

Hans Hielscher zeichnet für Spiegel-Online die jüngste Emanzipation des europäischen Jazz von seinem amerikanischen Vorbild nach. Das habe alles kurz nach der Jahrtausendwende begonnen. Stuart Nicholson habe mit einem Bericht in der New York Times und seinem nachfolgenden Buch Protestwellen in den USA ausgelöst mit seiner Behauptung, Jazz in Europa sei weit mehr zukunftsgerichtet als jener in den USA. Dann sei e.s.t. aufs Cover von Down Beat gerückt und dessen Titelei "Europe Invades!" würde für amerikanische Ohren etwa so klingen wie "die Russen kommen". Svensson, Nils Petter Molvaer, Bugge Wesseltft, Eric Truffat oder Till Brönner würden neben den althergebrachten Jazzfans auch Jugendliche begeistern, weil sie die Stilschubladen öffnen und auch Elemente aus der Popmusik mit in ihre Musik aufnehmen. Aber die Kritiker hätten schon neue Schubladen, "Nordic Jazz" etwa oder "Euro Jazz". Michael Naura hält viel davon für kunstgewerblich und spricht von "Klanggulasch". Für Branford Marsalis sei Jazz auch dann schwarze Musik, wenn er nicht von schwarzen Musikern gemacht werde. Man müsse sich schon bewusst mit der afro-amerikanischen Tradition auseinandersetzen, eigentlich müsse man sogar in Amerika leben, um Jazzmusiker zu sein. man kann klassische Musik spielen, egal woher man komme. Wenn man aber die Tradition nicht ernst nehme und meine, man könne das einfach auf seine Art machen, sei das respektlos. Europa sei auch für amerikanische Musiker nach wie vor Überlebensfaktor, zwischen 50 und 80 Prozent ihrer Jahreseinkünfte machten amerikanische Jazzmusiker auf Tourneen durch Europa. Bis vor kurzem waren Festivalveranstalter hierzulande der Meinung, das Publikum käme nur, wenn amerikanische Stars auf dem Programm stünden. Das ändere sich jetzt, auch e.s.t. verspreche mittlerweile einen vollen Saal.

For Spiegel-Online, Hans Hielscher discusses the most recent emancipation of European Jazz from its American role model. It all began after the turn of the millennium. Stuart Nicholson's report for the New York Times and his subsequent book caused outcries with his allegation that European jazz is more advanced in Europe than in the USA. Then e.s.t. made the cover of Down Beat, and the magazine titled "Europe Invades!" which for American ears sounds like "The Russians are coming". Svensson, Nils Petter Molvaer, Eric Truffat or Till Brönner reach the jazz fans as well as a new generation because they leave the stereotypes aside and make use of pop elements in their music. But the critics already have invented new stereotypes, "Nordic Jazz" for instance or "Euro Jazz". Michael Naura thinks that much of it is more like arts and crafts and talks about "sound goulash". For Branford Marsalis, jazz is Black music even when not played by Black musicians. Jazz musicians should always know about the African American tradition; actually it would be best if they lived in the USA if they really want to play jazz. Everybody can play classical music, no matter what their nationality. But one has to respect the tradition and cannot just play the music however one likes to play it. Europe still is an important economic factor for American musicians, as they make between 50 and 80 percent of their yearly income by touring through Europe. Until recently festival organizers thought the audience would not come if they did not have at least some Americans on the program. That has changed. E.s.t., too, can fill the halls today.


Jazz News, 16. November 2006

Jazz goes Pop goes Jazz (aktuelle Aktivitäten des Jazzinstituts / current activities of the Jazzinstitut)

Vor wenigen Tagen erschien der mittlerweile 9. Band der Darmstädter Beiträge zur Jazzforschung mit dem Titel "Jazz goes Pop goes Jazz. Der Jazz und sein gespaltenes Verhältnis zur Popularmusik", herausgegeben von Wolfram Knauer, Hofheim 2006 (Wolke Verlag), ISBN 3-936000-03-4, Preis: 22 Euro. Das Buch versammelt die Referate des 9. Darmstädter Jazzforums im Jahr 2005, die die Frage nach Popularität und/oder Kunst in der Jazzgeschichte und der aktuellen Jazzszene behandeln. Die Besonderheit des Darmstädter Jazzforums sei, so der Darmstädter Oberbürgermeister Walter Hoffmann bei der Präsentation des Sammelbandes, dass "neben Musikwissenschaftlern, Soziologen und Fachjournalisten immer auch Kenner zu Worte kommen, die aus der Szene selbst stammen, in diesem Fall Musiker, Veranstalter und Label-Manager". Das Buch, so Wolfram Knauer, Direktor des Jazzinstituts, sei das erste auf dem Markt, das sich der Beziehung zwischen Jazz und Pop widme. Die Beiträge des Bandes beantworten die grundsätzliche Frage, was eigentlich Musik populär macht und erklären, wann und warum sich die Welten von Jazz und Popmusik trennten und wie sich ihr Verhältnis zueinander entwickelte. Der australische Historiker Andrew Hurley wirft in seinem Beitrag einen Blick auf Verhältnis des Kritikers und Produzenten Joachim Ernst Berendt zu Jazz und Pop. Bezug zum aktuellen Jazz hat der Beitrag des Skandinavisten Frithjof Strauß, in dem dieser zu erklären versucht, warum der skandinavische Jazz in Deutschland so populär ist. Weitere Beiträge stammen vom Popästhetiker Diedrich Diederichsen, dem Musikwissenschaftler Martin Pfleiderer, dem Journalisten Peter Kemper sowie von Doris Schröder und Wolfram Knauer, beide Mitarbeiter des Jazzinstituts Darmstadt. Aber auch Musiker kommen zu Wort, so Paul D. Miller, der beim letzten Jazzforum einen Vortrag über seine HipHop-Arbeit als DJ Spooky hielt, und Colin Towns, der britische Komponist, der im Interview über seine Arbeit berichtet. Die "Darmstädter Beiträge zur Jazzforschung" sind inzwischen eine international beachtete Publikationsreihe zu Fragen der Jazzforschung, gelten als Grundlagenlektüre für Jazzfans und Musikwissenschaftler gleichermaßen. Das Jazzinstitut Darmstadt als weltweit drittgrößtes Informations- und Dokumentationszentrum zum Jazz engagiert sich auch auf anderen Gebieten für sein Thema. Arndt Weidler war als Vertreter des Instituts Ende November an Gesprächen mit dem Kulturausschuss des Deutschen Bundestags und dem Staatsminister für Kultur und Medien im Kanzleramt beteiligt, bei denen es um die aktuelle Situation des Jazz in Deutschland genauso ging wie um zukünftige Förderstrukturen. Die vom Darmstädter Jazzinstitut konzipierte Ausstellung "Deutscher Jazz / German Jazz" wird ab 2007 vom Goethe-Institut für fünf Jahre übernommen und weltweit gezeigt - mehr als 30 Länder haben bereits ihr Interesse bekundet. Daneben verwalten die Mitarbeiter des Jazzinstituts zusammen mit ehrenamtlichen Kräften ein einzigartiges Archiv zur deutschen Jazzgeschichte. Vor wenigen Tagen gelang es, das Instrument des Frankfurter Trompeters Carlo Bohländer für dass Archiv zu sichern. Bohländer gilt als einer der ersten Jazztheoretiker Deutschlands, dessen Lehrwerke Albert Mangelsdorff maßgeblich beeinflussten. In Vorbereitung ist außerdem das 10. Jazzforum, das vom 4. bis 7. Oktober 2007 stattfindet und sich mit ethnischen Einflüssen im Jazz auseinandersetzt. Von Jan Garbarek im Norden Europas über Enrico Rava in Italien bis zum Pianisten Chano Dominguez, der den Flamenco seiner andalusischen Heimat mit Jazz vermengt, gibt es überall in Europa Beispiele kultureller Grenzüberschreitungen. Jazzmusiker haben sich der brasilianischen Bossa Nova zugewandt oder mit indischer Musik experimentiert, haben sich von afrikanischen Musikern oder sibirischen Obertonsängern inspirieren lassen. In Vorträgen (im Darmstädter Literaturhaus), Konzerten (in der Centralstation und der Bessunger Knabenschule) und Workshops wird sich das 10. Darmstädter Jazzforum diesem Themenkomplex widmen.

Just published: the 9th volume of the "Darmstädter Beiträge zur Jazzforschung", a book titled "Jazz goes Pop goes Jazz. Der Jazz und sein gespaltenes Verhältnis zur Popularmusik" (Jazz and its ambivalent relationship(s) with popular music), edited by Wolfram Knauer and published at Wolke Verlag, Hofheim 2006 (ISBN 3-936000-03-4, 22 Euro). The book collects the essays of the 9th Darmstadt Jazzforum held in the fall of 2005 which discussed the question of popularity and/or art in jazz history and the current jazz scene. The specialty of the Darmstadt Jazzforum is, as the city's mayor Walter Hoffmann pointed out, that "next to the musicologists, sociologists and journalists you also hear from the musicians themselves as well as from concert promoters and label managers". The book, says Wolfram Knauer, the Jazzinstitut's director, is the first on the market to analyze the ambivalent relationship between jazz and pop. The essays give an answer to the question what makes music popular in the first place, when and why the worlds of jazz and pop music parted and how their relationship to each other developed. The Australian historian Andrew Hurley looks at the critic and producer Joachim Ernst Berendt and how he dealt with the worlds of jazz and pop. Frithjof Strauß, an expert in Scandinavian studies, tries to explain what makes Skandinavian jazz so popular in Germany. Other essays come from the pop aesthetic Diedrich Diedrichsen, the musicologist Martin Pfleiderer, the journalist Peter Kemper or from the Jazzinstitut's own Doris Schröder and Wolfram Knauer. But musicians are included as well, Paul D. Miller for example who at the last Jazzforum told the audience about the aesthetic background of his productions and performances as DJ Spooky, or Colin Towns, the British composer who talks about his current work. The "Darmstädter Beiträge zur Jazzforschung" have become a book series on jazz research of international reputation, basic reading for jazz fans and musicologists at the same time. The Jazzinstitut Darmstadt, the world's third largest information and documentation center on jazz, is active in other parts of the jazz life, as well. Arndt Weidler just visited with representatives of the cultural commission and with the head of the cultural department at the Office of the Federal Chancellor, to talk about the situation of German jazz today and discuss future initiatives to boost jazz activities on a national level in Germany. The exhibition "Deutscher Jazz / German Jazz", curated by Doris Schröder of the Jazzinstitut Darmstadt, will tour for the Goethe-Institut for the next five years and has already been asked for by more than 30 countries around the world. At the same time, the staff of the Jazzinstitut and its volunteers manage a unique archive on German jazz history. Just a couple of days ago the trumpet of Carlo Bohländer could be secured for the Jazzinstitut's collection. Bohländer was one of the first jazz theorists in Germany; his theory books influenced Albert Mangelsdorff. The Jazzinstitut is preparing the 10th Darmstadt Jazzforum which will take place from October 4th to 7th, 2007 and will center around ethnic influences on jazz. In Europe alone there are many examples for a crossing of boundaries and a mixing of influences: Jan Garbarek in the north, Enrico Rava in Italy, or the pianist Chano Dominguez who brought together the flamenco music of his Andalusian home and jazz. Jazz musicians made use of the Brazilian Bossa Nova or worked with Indian ragas, were inspired by African musicians or by Siberian throat singing. In lectures (at the Literaturhaus Darmstadt), in concerts (at the Centralstation and the Bessunger Knabenschule) and in workshops the 10th Darmstadt Jazzforum will deal with the many aspects of this subject.

Cassandra Wilson (1)

Die Sängerin Cassandra Wilson kommt nach Hamburg, und Christoph Forsthoff nutzt die Gelegenheit zu einem Vorab-Interview für die Hamburger Morgenpost. Sie kümmere sich nicht um den Streit "Europäischer Jazz, amerikanischer Jazz" oder um jenen um "wahren" oder "verpoppten" Jazz, erfahren wir, und sie habe den Namen Esbjörn Svensson eh noch nie gehört. Was soll's, der Jazz sei "das Fundament, auf dem ich mich bewege", basta! Sie wolle das Songbook des Jazz erweitern, "damit der Jazz am Leben bleibt". Jazz, meint sie, könne der Welt in Zeiten der Bush-Regierung ein anderes Amerika-Bild vermitteln. Bei Jazzsängerinnen sei es wie bei Rotwein, mutmaßt Forsthoff: "Mit den Jahren werden sie immer besser." Die 50-Jährige lacht "aus tiefster Dunkelheit" (!!!???) und glaubt, die besten Jahre würden noch vor ihr liegen, auch wenn sie momentan keine konkreten Pläne habe.

The singer Cassandra Wilson comes to Hamburg, and Christoph Forsthoff takes the opportunity to interview her for the Hamburger Morgenpost. She doesn't care about the discussion about "European jazz, American jazz" or about "true" or "pop" jazz, we read, and she hasn't even heard the name of Esbjörn Svensson. And anyhow, jazz is "the basis on which I move", that's all! She would like to broaden the songbook of jazz "in order to keep jazz alive". In these days of the Bush government, jazz might be able to provide the world with another picture of America, she thinks. Forsthoff speculates that jazz singers are a bit like red wine: "They become better and better with age." The 50 year old singer laughs "from deep darkness" (!!!???) and believes that the best years still lie ahead of her even if she has no specific plans at the moment.

Bobby Hutcherson

Ben Ratliff besuchte für die New York Times das Konzert des Vibraphonisten Bobby Hutcherson im Dizzy's Club Coca-Cola in New York. Der konzentriert sich heute mehr auf ein Standardrepertoire und darauf, die Faktur der Stücke aufzubrechen. "Er denkt sich langsam durch jede Phrase, lässt die Töne lang nachklingen, dämpft einzelne Platten mit der Hand, begrenzt damit den Sound der Akkorde und der Harmoniewechsel. Er spielte kein einziges Zitat und nichts, was wie ein Lick klang; es war klar, dass er in seiner eigenen Musik nach dem Sound lauschte, dem Potential für Schönheit."

For the New York Times, Ben Ratliff attended the concert by vibraphonist Bobby Hutcherson at New York's Dizzy's Club Coca-Cola. Hutcherson concentrates more on a standard repertoire and on turning the pieces inside out, Ratliff writes. "Slowly, thinking through each phrase, he let notes ring for a long time, moving his hand to dampen various keys, narrowing the sound of the chord and changing harmonies. He didn’t use musical quotations and didn’t play anything that sounded like a lick; it was clear that he was listening to his music as sound, and as potential for beauty."


Jazz News, 15. November 2006

Sonny Cohn

Am 7. November verstarb der Trompeter George 'Sonny' Cohn in Chicago im Alter von 81 Jahren, wie Scott Fornek in der Chicago Sun-Times berichtet. Seine berühmtesten Soli spielte Cohn in den Count-Basie-Aufnahmen von "April in Paris" und "Li'l Darling". Cohn begann das Trompetenspiel im Alter von neun Jahren, wurde 1945 Mitglied der Band des Schlagzeugers Red Saunders. In dieser hörte ihn Count Basie, der ihn 1960 für sein Orchester verpflichtete. "Er war nie berühmt - außer unter Musikern", sagt Bob Koester, der Produzent des Labels Delmark Records. Cohn blieb bis in die 90er Jahre in der Basie Band, als der Count bereits gestorben war und das Orchester von diversen anderen Frontmen geleitet wurde. Danach spielte er mit der Band von Morris Ellis und immer wieder mit dem Tenorsaxophonisten Von Freeman.

On November 7th the trumpeter George 'Sonny' Cohn died in Chicago at the age of 81, as George Fornek reports in the Chicago Sun-Times. Cohn had played his best known solos in the Count Basie recordings of "April in Paris" and "Li'l Darling". He started playing trumpet at the age of nine, became a member of the drummer's Red Saunders' band in 1945. In this band Count Basie heard him play and engaged him for his own orchestra. "He was not famous - except among musicians", says Bob Koester, head of Delmark Records. Cohn stayed with Basie into the 1990s, even after the Count had died and his orchestra was led by several other front men. After that he performed frequently with Morris Ellis and with the tenor saxophonist Von Freeman.

A-Trane (Berlin)

Tina Molin berichtet in der Berliner Morgenpost über den Club A-Trane in Berlin. Besitzer Sedal Sardan, in Ankara geboren, in Berlin aufgewachsen, entdeckte seine Liebe zum Jazz bei einem Bebop-Konzert in Izmir. 1991 eröffnete er die BeBop Bar in Kreuzberg und übernahm 1997 das A-Trane. In dem kleinen, gerade mal 80 Leute fassenden Club spielten schon Stars wie Diana Krall, Till Brönner, Wynton Marsalis und selbst Herbie Hancock. Sogar Hollywood-Star Kevin Spacey habe den Club vor zwei Jahren als Gast besucht und spontan "Fly Me to the Moon" gesungen.

In the Berliner Morgenpost, Tina Molin reports about the club A-Trane in Berlin. Owner Sedal Sardan who was born in Ankara and grew up in Berlin discovered jazz at a bebop concert in Izmir. In 1991 he opened the BeBop Bar in Kreuzberg and took over the A-Trane in 1997. The small room holds up to 80 people, but has been frequented by stars like Diana Krall, Till Brönner, Wynton Marsalis and even Herbie Hancock. Two years ago Hollywood star Kevin Spacey came by as a customer and spontaneously sat in with the band to sing "Fly Me to the Moon".

Ganelin Trio

Udo Klinner besuchte für die Esslinger Zeitung ein Konzert des Ganelin Trio im Kulturzentrum Dieselstraße in Eßlingen. Der Pianist Vyacheslav Ganelin, in Moskau gebürtig, lange Zeit in Litauen beheimatet, heute in Israel lebend, trat mit Saxophonist Petras Vysniauskas und Schlagzeuger Klaus Kugel auf. Sein Flügel sei mit einem Synthesizer verbunden gewesen, außerdem habe daneben ein zweites Schlagzeugset gestanden, und Kugel habe seines mit vielen zusätzlichen Perkussionsinstrumenten ausgestattet. "Conversation Nr. 5" bzw. "Conversation Nr. 6" hießen die beiden freien Stücke des Abends, die "eine gewisse Ratlosigkeit für die Hörer" (oder für Klinner?) erzeugten. Etwas mehr "Bluesatmosphäre" hätte dem ganzen gut getan, so sprang der Funke im halb besetzten Forum einfach nicht über.

For the Esslinger Zeitung, Udo Klinner attended a concert of the Ganelin Trio at the cultural center Dieselstraße in Eßlingen. The pianist Vyacheslav Ganelin was born in Moscow, was at home in Lithuania for a long time, and today lives in Israel. He played with the saxophonist Petras Vysniauskas and the drummer Klaus Kugel. He connected the grand piano with a synthesizer and had a second drum set put next to it. Kugel had added many additional percussion instruments to his drum set. The two free improvised pieces of the evening were titled "Conversation No. 5" and "Conversation No. 6" and created "a bit of helplessness for the listeners" (or for Klinner?). It would have been nice to hear a bit more of a "bluesy atmosphere", but somehow the spark didn't jump over in the half-full concert space.


Jazz News, 14. November 2006

Deutsche Promis Talking (about) Jazz

Eines der größten Probleme des Jazz mag es sein, dass viele Zeitgenossen ihren besonderen Musikgeschmack für etwas so Privates halten, dass sie ihn öffentlich kaum erwähnen. So gibt es wenig Identifikationsfiguren, die in Talk Shows wie selbstverständlich darüber berichten würden, dass sie eigentlich Jazzfan sind. Und wenn sie es tun, wird das eher lächelnd abgetan ... "ein bisschen wunderlich ist er/sie auch". Von Olaf Henkel wissen wir's (weil er es in seiner Autobiographie verkündet hat) und vom Bundespräsidenten ahnen wir's (weil er's selbst mal gesagt hat), ebenso von Dieter Kürten (weil er mal hinter uns saß im Konzert), und von Evelyn Hamann glauben wir's jedenfalls (weil sie vor Jahrzehnten in Dennys Swing Club so frenetisch klatschte). Aber natürlich gibt es weit mehr "Promis", die sich für den Jazz erwärmen und von denen wir's nicht einmal ahnten. In der Bonner Bundeskunsthalle gibt es nun eine Konzertreihe ("Talking Jazz"), bei der ein bekannter Jazzer sowie ein weiterer prominenter Gast eingeladen wird, von dem nicht unbedingt bekannt ist, dass er ein Herz für Jazz hat. Am nächsten Sonntag ist Till Brönner der Gastgeber und trifft auf ... Roberto Blanco. Eine lobenswerte Initiative, und wir sammeln weiter die Namen der Promis, denen es nicht peinlich ist, sich als (einst) heimliche Jazzer zu outen.

One of the biggest problems of jazz is perhaps that many contemporaries keep their personal musical taste private and don't talk about it in the public. Thus, we lack identification figures who report about their love of jazz in talk shows or at similar events. Or if they do it is often received as "Well, he is a bit strange, but nice". We know that Olaf Henkel is a jazz fan (because he wrote so in his autobiography) and we know it from our federal president (because he said so in one of his speeches), also of Dieter Kürten (because once he sat a row behind us in a concert) and we think so of Evelyn Hamann (because she applauded so enthusiastically years ago at Denny's Swing Club). But there are more popular figures, of course, who love jazz and whom we never suspected to be jazz fans. The Bonner Bundeskunsthalle established a concert series ("Talking Jazz") inviting a popular jazz musician as well as a prominent personality whose love of jazz is not so well known. Next Sunday Till Brönner will be the host who will meet ... Roberto Blanco. A praiseworthy endeavor, and we, too, collect the names of prominent citizens who don't feel embarrassed to come out as (once) secret jazz fans.

Marisa Monte

Larry Rohter traf für die New York Times die brasilianische Sängerin Marisa Monte, die sich nicht in eine stilistische Schublade stecken lassen möchte. Ursprünglich sei sie von Maria Callas begeistert gewesen; ihre Eltern hätten ihr die Liebe zur Samba und den afro-brasilianischen Wurzeln nahegebracht. Sie habe Aufnahmen von Carmen Miranda, Pixinguinha und Dorival Caymmi gehört und auf ihrer ersten Platte auch Mirandas "South American Way" aufgenommen. Miranda sei großartig, habe aber für ihre Karriere viele Kompromisse eingehen müssen. Monte fühlt sich auch in der New Yorker Pop-Avantgarde zuhause, arbeitet mit Arto Lindsay, Laurie Anderson, Marc Ribot, Bernie Worrell oder Philip Glass. Sie arbeitet gern mit elektronischen Mitteln liebt es, den Sound zu manipulieren. "Du kannst neue Instrumente schaffen, die gar nicht existieren, oder neue Tonräume für traditionelle Instrumente erschließen." Auf ihrer neuen Platte wollte sie Instrumente benutzen, die man sonst nicht mit Samba assoziiert. Die Platte solle sich anhören wie "Samba von jemandem, der in der heutigen Welt lebt und sich auch Drum 'n' Bass und zeitgenössischen Pop anhört".

For the New York Times, Larry Rohter met with the Brazilian singer Marisa Monte who does not want to be stylistically pigeonholed. She loved Maria Callas when she was a child, and her parents made her appreciate Samba and the African Brazilian roots. She listened to recordings by Carmen Miranda, Pixinguinha and Dorival Caymmi and sang Miranda's "South American Way" on her first record. Miranda was great but had to make many compromises for her career. Monte also feels at home within New Yorks pop avant garde, worked with musicians such as Arto Lindsay, Laurie Anderson, Marc Ribot, Bernie Worrell or Philip Glass. She likes to work with electronics, to manipulate the sound. "You can create new instruments that don’t exist or new tonalities for traditional instruments." On her newest CD she wanted to use instruments one doesn't usually associate with samba. She wanted the record to "sound like samba from someone who lives in today’s world and listens to drum ’n’ bass and contemporary pop".

Swingjugend in Harburg

Für das Hamburger Abendblatt spricht Andreas Schmidt mit dem 80jährigen Heinrich Dringelburg aus Harburg nahe Hamburg, der wegen seiner Liebe zum Jazz 1941 der 1941 zwölf Tage lang im Polizeigefängnis Fuhlsbüttel in Einzelhaft saß. Er gehörte zur Harburger Swingszene, die trotz Verbots Loiuis Armstrong, Benny Goodman und Duke Ellington hörte und sich auch in ihrem Äußeren vom nationalsozialistischen Jugendideal der Hitler-Jugend unterschied. Er und seine Freunde trafen sich öfters mit Koffergrammophon und Schellackplatten. Verhaftet wurde er, weil er sich mit der HJ anlegte und es dabei zu einem Handgemenge kam. Zu ihm nach Hause sei die Gestapo glücklicherweise nicht gekommen, sonst hätten sie sein Koffergrammophon und seine rund 15 Swingplatten entdeckt. Andere "Swings" wurden wegen "anglophiler Neigungen" ins Jugendkonzentrationslager Moringen bei Göttingen bzw. Uckermark bei Fürstenberg gesteckt. In Harburg traf man sich im Gloria-Café, im Stadtparkrestaurant Frühlingsgarten oder in der Waldschänke in Borstelbek, erzählt Dringelburg. Wenn die Swings auf der "Gänsewiese" bummelten - in der Wilstorfer Straße zwischen Gloria-Kino und Bremer Straße - kam es schon mal vor, dass HJ-Streifen die Jungs mit "zu langen Haaren" zum Friseur schleiften.

For the Hamburger Abendblatt, Andreas Schmidt talks to 80 year old Heinrich Dringelburg from Harburg, a city close to Hamburg, who was in solitary confinement in the police jail Fuhlsbüttel for twelve days in 1941 because of his love for jazz. He belonged to the Harburg swing scene, kids who listened to Louis Armstrong, Benny Goodman and Duke Ellington in spite of the music being banned by the Nazis. They also sported a different look from the national socialist youth ideal as exemplified by the Hitler Jugend. They often met with their portable gramophones and 78 rpm records. Dringelburg was arrested because he got into a fight with other kids who were member of the HJ. Luckily, the Gestapo never visited his home, otherwise they might have found his gramophone and around 15 of his swing records. Other "Swings" were imprisoned much longer because of "anglophile tendencies", usually in the youth concentration camps Mohringen near Göttingen or Uckermark near Fürstenberg. In Harburg the Swings met at the Gloria-Café, at the Stadtparkrestaurant Frühlingsgarten or at the Waldschänke in Borstelbek. When the Swings walked down the "Gänsewiese" - Wilstorfer Straße between Gloria cinema and Bremer Straße - it could happen that HJ patrols snatched the boys with the "long hair" and dragged them to the next barber shop.


Jazz News, 13. November 2006

Solveig Sjettahjell

Nick Coleman trifft die norwegische Sängerin Solveig Slettahjell für The Independent in München, wo sie im Jazzclub Unterfahrt auftritt. Das Bier sei dort fast so groß wie er selbst, stellt der britische Musiktourist fest, außerdem sei alles sehr sauber und jeder spräche Englisch. Slettahjell sei eine der wenigen Sängerinnen im Jazz des 21. Jahrhunderts, die mit Soul singe. Ihre drei Platten seien ganz ordentlich, aber live sei das alles noch viel besser. "Stark improvisierte, sehr langsame Musik" mache sie mit ihrer Band Slow Motion, die "mehr draußenlässt als sie einschließt". "Es ist eine Musik aus Kadenz und Raum, Wirkung und Rückzug; sie ist Gospel, Soul, Hymnodie, Folk und Pop genauso wie Jazz und Blues und jene gänzlich überraschenden Anflüge freier Improvisation." Es gehe ihr ja auch weniger um Genregrenzen, sondern um das, woraus die Musik wirklich bestünde, sagt sie. Sie singt "Don't Explain", ruhig und mit vielen Pausen, und es sei, als habe jeder im Publikum, und selbst die Musiker, das Lied zum ersten Mal gehört. Sie erzählt über ihre Kindheit in der Familie eines protestantischen Pfarrers, dass sie Aretha Franklin und Whitney Houston mochte, wie sie in Oslo an der Hochschule Unterricht bei Sidsel Endresen bekommen hätte. Sie sei nicht mit dem amerikanischen Jazz aufgewachsen, sagt sie. Den habe sie erst auf der Hochschule kennengelernt, davor habe sie vor allem norwegischen Jazz wahrgenommen. Am Ende des Konzerts sagte sie "Gute Nacht", dann gab es "absolute Stille, zaghaft unterbrochen nur durch einen langen, durchatmenden bayerischen Seufzer."

For The Independent, Nick Coleman meets the Norwegian singer Solveig Slettahjell in Munich where she performed at the jazz club Unterfahrt. The beer there is almost as tall as him, the British music tourist remarks; everything is clean and everybody speaks English. Slettahjell is one of the few singers of 21st century's jazz, he says, who sing with soul. Her three records are lovely, but to hear her on stage is even more exciting. She and her band Slow Motion "play a highly improvised, very slow music which aspires to leave more out than it keeps in. It is a music of cadence and space, impact and recess; as much gospel, soul, hymnody, folk and pop as it is jazz and blues and the stark surprises of free improvisation." She is not so much concerned about the boundaries between the genres but more about what the music really consists of, she says. She sings "Don't Explain", quiet and with many moments of silence, and "it is as if the song is being heard by everyone, including the musicians, for the first time". She tells Coleman about her childhood in the family of a Protestant minister, that she listened to Aretha Franklin and Whitney Houston, then took lessons from Sidsel Endresen at the Oslo Academy of Music. She did not grow up with American jazz, she says, but only got to know it through academy; before she listened mostly to the Norwegian version of jazz. At the end of the concert she said "Gute Nacht", then "there was absolute silence, ruptured only slightly by a long, withdrawing Bavarian sigh".

Till Brönner

Gerd Döring besuchte Till Brönners Konzert in der Darmstädter Centralstation und berichtet für die Frankfurter Rundschau. Gleich zu Beginn habe der Trompeter klargemacht, dass es ihm um die "weichere Variante des Jazz der sechziger Jahre" gehe. Westcoast-Einflüsse, Latin-Anklänge begeisterten das Publikum. Das Begleittrio kann "mächtig Dampf machen", aber auch "mit der lässigen Eleganz eines Club-Jazz-Abends" agieren. Der einzige Missgriff des Trompeters sei der zum Gesangsmikrophon gewesen. Die Welt erkennt den Trompeter als Chamäleon. Ob Jazzclub, Bigband, Theater, Fernsehen: Brönner passe sich der jeweiligen Gegebenheit professionell an. In der Hamburger Laiszhalle habe er die Diva gegeben. "Vorweg klimpert die Band etwas vor sich hin, (...) klimpert und klimpert, kompetent und unverbindlich", bis der Star die Bühne betritt und spielt. "Und das kann er auch." Jazz für Anfänger sei es, Jazz für Lovers, Jazz für Jazzverächter, "harmonisch reibungsarm, virtuos, ohne zu übertreiben". Und glücklicherweise habe er nicht zu viel gesungen. Zwischen all dem Sowbusiness dann aber auch, in Monks "Round Midnight", "zwei Minuten Jazz als ein Spiel, das Anstrengung fordert und mit Lust belohnt". Weil er das auch beherrscht.

For the Frankfurter Rundschau, Gerd Döring attends Till Brönner's concert at Darmstadt's Centralstation. From the beginning the trumpeter made clear that he likes the "softer variety of 1960s jazz". Influences from Westcoast jazz and Latin sounds: the audience was delighted. The accompanying trio was able to put up some steam as well as to play with the casual elegance of a club jazz evening. The trumpeter's only blunder was to sing. Die Welt sees the trumpeter as a chameleon. No matter whether in a jazz club, in front of a big band, in a theater or on TV: Brönner always blends in professionally with his surroundings. At Hamburg's Laiszhalle he played the diva. "At the beginning the band tinkled a bit, (...) tinkled and tinkled, competent and non-commital", until the star came onstage and played. "And play he can." He plays jazz for beginners, the reviewer writes, jazz for lovers, jazz for those who despise jazz, "harmonically without much friction, performed with virtuosity, yet without overstatement". And luckily he refrained from singing too much. In between all of the show business moments he played Monk's "Round Midnight", "two minutes of jazz as a game which demands effort and recompensates with delight". Which is an act he also commands.


Jazz News, 12. November 2006

Ashby Anderson

Bonnie Newman Davis portraitiert in der Richmond Times-Dispatch (Virginia) den Pianisten und Komponisten Ashby Anderson, Mitglied der "Jazz Composers Alliance Inc.", der jüngst ein 7.500-Dollar-Stipendium erhielt, um eine viersätzige Suite zu komponieren. Die, "The Historic Richmond Jazz Suite", wird am Mittwoch im Hyperlink Café in Richmond, Virginia, uraufgeführt. Sie sei ein klingendes Stadtportrait, sagt Anderson, und verbeuge sich auch vor der schwarzen Geschichte der Stadt, dem Tänzer und Schauspieler Bill 'Bojangles' Robinson und einem ehemaligen Sklavengefängnis. Nebenbei versucht Anderson, in der Stadt einen nicht-kommerziellen Spielort zu organisieren. Andere Mitglieder der Jazz Composers Alliance sind der Pianist Donald Crawford, der Posaunist Sam Savage und der Trompeter Mark Ingraham. Sie alle wollen ihre eigene Musik spielen, wollen experimentieren. Und sie wollen dem Jazz mehr Gehör verschaffen als reiner Hintergrundmusik im Restaurant.

In the Richmond Times-Dispatch (Virginia), Bonnie Newman Davis portrays the pianist and composer Ashby Anderson, a member of the "Jazz Composers Alliance Inc.", who just received a 7.500 dollar grant to compose a four part suite. The suite called "The Historic Richmond Jazz Suite" will be premiered on Wednesday at the Hyperlink Café in Richmond, Virginia. It is an "aural portrait" of Richmond, Anderson says, and also salutes the Black history of the city, the dancer and actor Bill 'Bojangles' Robinson and a former slave jail. Anderson is also involved in trying to establish a non-profit space to present jazz. Other members of the Jazz Composers Alliance are the pianist Donald Crawford, the trombonist Sam Savage and the trumpeter Mark Ingraham. All of them want to play their own music, want to experiment. And they want to make their music heard in different settings than the background music in restaurants.


Jazz News, 11. November 2006

Soweto Kinch

Davina Morris interviewt für The Voice den britischen Saxophonisten Soweto Kinch, dessen Konzert das diesjährige London Jazz Festival abschließt. Das Publikum könne "ultra-modernen HipHop, alternativen HipHop und authentischen Jazz erwarten, gemischt mit einer ordentlichen Dramaturgie und einigen Überraschungen", kündigt er an. Das Festival sei wichtig, weil es eine alternative Musik präsentiere, die von der Industrie ein wenig links liegen gelassen werde. Der Jazz spreche wieder mehr junges Publikum an, und es gäbe auch wieder mehr Jam Sessions, bei denen junge Musiker ihren Stil entwickeln könnten. Trotz seines Erfolges fühle er sich nicht wie eine Berühmtheit, er spüre eher Respekt. Er sei empört über den Ausschluss der Kategorie Jazz von den diesjährigen MOBO Awards gewesen und meint, man müsse etwas dagegen unternehmen. In der Jazzgemeinde gäbe es glücklicherweise kaum Konkurrenzkämpfe. In dieser Szene müsse man sich schon gegenseitig unterstützen. Er selbst habe mit neun Jahren angefangen Saxophon zu spielen. Ein Konzert von Wynton Marsalis habe ihn zum Jazz gebracht, und Courtney Pine, Denys Baptiste and Jason Yarde hätten ihn inspiriert, richtig zu üben.

For The Voice, Davina Morris interviews the British saxophonist Soweto Kinch whose concert will close this year's London Jazz Festival. The audience can expect "cutting-edge hip-hop, alternative hip-hop and authentic jazz, blended with a storyline and a few surprises". The festival is important, he says, because it presents an alternative music neglected by the industry. Jazz is reaching a younger audience these days, there are more jam sessions in which young musicians can develop their style. Despite his success he does not feel famous, rather he feels respected. He is outraged at the exclusion of the jazz category from this year's MOBO awards and thinks "the whole awards needs to be shaken up". Luckily, there is little competition within the jazz community. In such a scene the musicians have to support each other. Kinch started playing saxophone at the age of nine. A concert by Wynton Marsalis spurred his interest in jazz, and Courtney Pine, Denys Baptiste and Jason Yarde inspired him to really practice.

BIM Huis, Amsterdam

Christian Broecking besuchte für die Berliner Zeitung das BIM Huis in Amsterdam. Dave Douglas hatte ihm erzählt, die Leute seien dort aufmerksamer geworden, seitdem es ein Rauchverbot im Club gibt. Das Rauchen in der Bar des neuen BIM Huis sei weiter gestattet, erzählt dessen Leiter Huub van Riel, aber im Konzertraum solle man sich konzentrieren können. Broecking schwärmt: "Die Akustik im Konzertraum ist nahezu perfekt, jedes Detail kann man hören, im angrenzenden Barbereich hat die Übertragung des Live-Konzerts CD-Qualität, selten ist in Jazzclubs ein so toller Sound zu haben". Die Amsterdamer Szene sei ziemlich international, aber die Musiker aus aller Herren Länder fühlten sich alle der holländischen Szene zugehörig.

For the Berliner Zeitung, Christian Broecking visits the BIM Huis in Amsterdam. Dave Douglas had told him that the audience has become more attentive since the club banned smoking. Smoking is permitted in the bar, says the club's manager Huub van Riel, but in the concert space itself people should have the chance to concentrate. Broecking is delighted: "The acoustics in the concert space are nearly perfect, one can hear every detail. In the close-by bar the music is transmitted in CD quality. It is rare to find a jazz club with such an excellent sound." The Amsterdam jazz scene is an international one, but the musicians from all over the world clearly identify with the Dutch scene.

Julius Hemphill

Ben Ratliff besuchte für die New York Times ein Konzert des Julius Hemphill Sextet im New Yorker Miller Theater. Hemphill starb 1995, aber der Saxophonist Marty Ehrlich, der Trompeter Baikida Carroll, der Cellist Erik Friedlander, der Schlagzeuger Pheeroan akLaff und zehn andere Musiker halten sein Andenken wach, indem sie seine zum Teil äußerst komplexen Kompositionen spielen. Die vierzehn spielten die gesamte Musik aus Hemphills Album "Dogon AD" von 1972, das aus urheberrechtlichen Gründen bislang nie auf CD erschien. Die Musik verlangt unterschiedlichste Besetzungen: ein Saxophonsextett, einen klassischen Solopianisten sowie ein klassisches Streichquartett. Um Hemphill ganz gerecht zu werden, hätte man auch noch ein Orchester, Dichter, Tänzer, Schauspieler und Filme einbinden können. Hemphill habe seine eigene harmonische Sprache entwickelt, berichtet Ratliff, die er gegen Ende seines Lebens vor allem mit seinem Saxophonsextett gemeistert habe. Seine Voicings seien deutlich als sein Personalstil erkennbar. Im Konzert hörte man auch seine Arrangements von Mingus-Kompositionen für Streichquartett sowie den Einfluss von Gospel, Blues und R&B auf seine Musik.

For the New York Times, Ben Ratliff attends a concert of the Julius Hemphill Sextet at New York's Miller Theater. Hemphill died in 1995, but the saxophonist Marty Ehrlich, the trumpeter Baikida Carroll, the cellist Erik Friedlander, the drummer Pheeroan akLaff and ten other musicians keep his memory alive by performing his sometimes very complicated compositions. The fourteen musicians played the complete music from Hemphill's album "Dogon AD" from 1972 which out of copyright reasons has not been reissued on CD. The music asks for different settings: a saxophone sextet, a classical solo pianist and a classical string quartet. To do full justice to Hemphill's compositional ouevre one might have added an orchestra, poets, dancers, actors and film. Hemphill had developed his own harmonic language, reports Ratliff, a language which toward the end of his life he mastered with his saxophone sextet. Some of his voicings are unmistakable his own personal style. The concert also featured Hemphill's arrangements of Mingus compositions for string quartet as well as the influence of gospel, blues and R&B on his music.


Jazz News, 10. November 2006

Branford Marsalis

Thorsten Firlus hat Branford Marsalis für die Wirtschaftswoche über klassische Musik befragt. Der hatte sich jüngst über die Autonomiebestrebungen des europäischen Jazz beklagt, vielleicht ist seine neuerdings zur Schau gestellte Klassikliebe ja auch der Versuch, die Europäer dazu zu bringen, den afro-amerikanischen Jazz endlich in Ruhe zu lassen...? Aber im Ernst: Auf seinem iPod befindet sich neuerdings "Der Fliegende Holländer", und Marsalis reflektiert über Wagner und Verdi. Von 1991 bis 1997 habe er jeden Tag einen Teil des "Ring" gehört, erzählt der Saxophonist, und zwar am liebsten in Aufnahmen von Karajan. Nachdem er in Leipzig zum ersten Mal die "Matthäus-Passion" gehört habe, sei er schwer beeindruckt gewesen, habe auf der Rückfahrt geschwiegen, die Kinder zu Bett gebracht und sei dann über seine Frau hergefallen. "Musik live zu erleben ist ein Ereignis, das starke Emotionen auslöst." Es mag die historische Aufführungstechnik nicht so sehr, meint, die Musiker seien heute viel besser, damals hätte es eh ganz anders geklungen als heute. Gerade im Filmmusikbereich gäbe es hervorragende Komponisten, John Williams etwa oder James Horner. Im Popbereich gefällt ihm nach wie vor, was Sting macht, und er findet, dass Bruce Hornsbys Musik "immer noch gültig" sei, eine eigene Qualität habe. Im Jazz empfiehlt er, auf den Saxophonisten Stephen Riley zu hören, der schaffe Musik "in dem Moment, in dem er sie spielt. Andere Jazzer klingen, als hätten sie am Abend vor dem Konzert eine Rede vorbereitet, die sie dann vortragen."

Thorsten Firlus asked Branford Marsalis for the Wirtschaftswoche about classical music. Marsalis recently complained about efforts for autonomy by European jazz musicians; perhaps his newly displayed love for classical music is an attempt to move these Europeans back to their roots instead of them playing African American jazz...? But seriously: On his iPod he listens to "The Flying Dutchman", and Marsalis talks about Wagner and Verdi. From 1991 to 1997 he used to listen to parts of the "Ring" every day, says the saxophonist, preferring the recordings of Karajan. When he heard the "St. Matthew Passion" for the first time in Leipzig, he was so impressed that be kept silent on his way back home, put the children to bed and then made love to his wife. "Live music is a sensation releasing so much emotion." He is not so fond of historic performance practice; the musicians are much better today, the music sounded totally different then from now. There are excellent composers in the movie industry, John Williams for example or James Horner. In pop music he likes Sting, and he thinks that Bruce Hornsby's music is "still valid" and has its own quality. In jazz he recommends the saxophonist Stephen Riley who "creates music in the moment in which he plays it. Other jazz musicians sound as if they deliver a speech prepared the night before."

Alvin Batiste

John Wirt stellt in The Advocate, der Tageszeitung aus Baton Rouge, Louisiana, den Klarinettisten und Pädagogen Alvin Batiste vor, der am Dienstag seinen 74. Geburtstag feierte. Sein Haus in New Orleans sei immer noch nicht komplett renoviert nach Hurricane Katrina, erzählt Batiste, seine Frau und er würden in einem Wohnwagen neben dem Haus wohnen, wenn sie in New Orleans seien. Er freue sich schon auf den Tag, wenn sie wieder ins Haus ziehen könnten. Es sei so schön, am Samstag die Paraden zu hören, die durch die Straßen zögen. Batiste hat gerade seine dritte Oper fertig gestellt und eine zweite Auflage seiner Harmonielehre "The Root Progression System" herausgebracht. Er mache sich keine Sorgen um die Musikszene in New Orleans. New-Orleans-Musiker hätten nie Probleme gehabt, zwischen den Genres zu wechseln, zwischen Jazz, Blues und R&B. Auch Batiste spielte mit Bluesmusiker wie Guitar Slim und mit R&B-Künstlern wie Little Willie John und Ray Charles. Der Klarinettist ist ein beliebter Lehrer, zu seinen bekanntesten Schülern zählt der Saxophonist Branford Marsalis. Auf dessen Label Marsalis Music wird im nächsten Jahr seine neue CD erscheinen, "Honoring Alvin Batiste", und Marsalis wird auf bei einigen der Stücke dabei sein.

In The Advocate, the daily newspaper from Baton Rouge, Louisiana, John Wirt portrays the clarinetist and educator Alvin Batiste who celebrated his 74th birthday last Tuesday. His house in New Orleans still needs further repair after Hurricane Katrina, says Batiste. He and his wife live in a trailer next to the house when they are in New Orleans. He is looking forward to the day when they will move back into the house. It is so nice to hear the parades coming by every Saturday. Batiste just finished his third opera and published a second edition of his music-education text "The Root Progression System". He doesn't worry about the music scene in New Orleans. New Orleans musicians never had problems crossing the genre lines between jazz, blues and R&B. Batiste himself played with blues musicians such as Guitar Slim and with R&B artists such as Little Willie John and Ray Charles. The clarinetist is a popular educator; one of his most famous students was the saxophonist Branford Marsalis. His next CD "Honoring Alvin Batiste" will be released next year on Branford's record label Marsalis Music, and Marsalis will be heard on some of the tracks.


Jazz News, 9. November 2006

Woody Woodhouse

Der Sänger und Schlagzeuger Woody Woodhouse starb am vergangenen Sonntag im Alter von 69 Jahren, wie Paul de Barros in der Seattle Times berichtet. Woodhouse wuchs in Detroit auf und kam in den Mitt-60er Jahren nach Seattle. Dort arbeitete er bis zu seiner Pensionierung 1999 als Medizintechniker, trat nebenher regelmäßig in Clubs von Seattle auf. Sein größter Einfluss sei Carmen McRae gewesen, erzählte er einmal, sein Publikum war von seinen Gesangsimitationen von Flöte und Posaune begeistert.

The singer and drummer Woody Woodhouse died last Sunday at the age of 69, as Paul de Barros reports in the Seattle Times. Woodhouse grew up in Detroit and came to Seattle in the mid-60s. Until his retirement in 1999 he worked as a medical technician and performed in Seattle clubs on the side. His biggest influence was Carmen McRae, he once said, and his audience was fascinated with his vocal imitations of the flute and trombone.

Esbjörn Svensson Trio

Das Esbjörn Svensson Trio habe beim Konzert in der Frankfurter Alten Oper ein wenig gewirkt, als würde der Zwischenapplaus des Publikums nur stören, befindet Hans-Jürgen Linke in der Frankfurter Rundschau. Selbstgenügsamkeit habe das Trio stellenweise ausgestrahlt, nett seien sie gewesen. "Keine schlechte Musik", Kammer-Jazz mit Pop-Appeal und einem Touch romantischer Klaviermusik. Das "Ideal von Gediegenheit" erkennt Linke dabei und dass die Musiker "großen Wert auf Ausgewogenheit von Dynamik, Tempo und Wohlklang" legten. Schön sei das und rau, damit man die Schönheit besser erkenne, aber alles in Maßen, auch die Ekstase. Das Trio halte "für jede in ihr entstehende Erregtheit eine cremige Mehlschwitze bereit, die alles ein bisschen abrundet und eindickt". Bewundernswert, aber irgendwie schwingt bei aller Bewunderung in Linkes Rezension auch eine Portion Skepsis mit. Momentan neige das Trio mehr dem Pop und der Markenpflege zu. "Und vielleicht", resümiert Linke, "reicht es den dreien ja, wenn der Erfolg ihnen Recht gibt."

During their concert at Frankfurt's Alte Oper the Esbjörn Svensson Trio gave the impression as if the applause in the middle of their pieces was disturbing them a bit, writes Hans-Jürgen Linke in the Frankfurter Rundschau. They seemed self-sufficient at times, and they certainly were very nice. "No bad music", chamber jazz with pop appeal and a touch of romantic piano music. Linke hears an "ideal of tastefulness" in their playing and explains that the musicians "emphasize the balance between dynamics, tempo, and euphony". The music is beautiful and it is raw so that the beauty can shine better. But everything is kept within bounds, even ecstasy. For any excitement that might happen within its music "the trio keeps a roux ready, to round it off and condense it a bit". Admirable, but somehow Linke's admiration is paired with a bit of skepticism. The trio is concentrating more on its pop side and on cultivating itself as a trade mark. "And perhaps", Linke sums up, "the three are content if success proves them right."

Wuppertal in der Welt des Jazz / Wuppertal in the World of Jazz

Am 8. November eröffnete in der Stadtsparkasse Wuppertal eine beeindruckende Ausstellung zum Jazz in Wuppertal. E. Dieter Fränzel, der bereits das exzellente Buch "sounds like whoopataal. Wuppertal in der Welt des Jazz" (Klartext-Verlag, Essen, 2006) herausgegeben hatte, setzt dieser dokumentarischen Arbeit mit der Ausstellung noch eine Krone auf. Unzählige Fotos, knappe, informative Texte, Bücher und Schallplatten, Plakate, Instrumente, aber auch Kunstwerke, Bilder und Skulpturen, die sich mit dem Jazz beschäftigen oder von ihm inspiriert wurden, führen ein in eine städtische Jazzgeschichte, die weit über die Freejazzer hinausweist, für die Wuppertal allgemein bekannt ist. Bei der Eröffnung sprach der Sparkassendirektor, Herr Vaupel, der Ausstellungsmacher E. Dieter Fränzel selbst sowie Wolfram Knauer vom Darmstädter Jazzinstitut. Der fragte sich, wieso ausgerechnet in einer Mittelstadt wie Wuppertal künstlerische Entwicklungen möglich seien, die in mancher Metropole schwierig wären. Seine Erklärung: "Es ist vielleicht die Chance der mittelgroßen Städte, dass sie Fantasien ermutigen, Experimente im kleineren Kreis, dass in ihnen der Bürgerstolz auf die Avantgarde leichter scheint als in den Metropolen, in denen man weit mehr zur kritischen Distanz neigt. Da gibt es weniger örtliche Konkurrenz, es gibt weniger die Hektik der Großstadt, es gibt ein ruhigeres Diskussionsklima, und auch die Bevölkerung ist kulturell weniger abgestumpft. Man spürt einen Stolz auf Projekte, die in der Großstadt neben unzähligen anderen Aktivitäten wohl oft untergingen. Solche Mittelstädte können also den vermeintlichen Kulturzentren tatsächlich oft um einige Längen voraus sein." Knauer verwies auf die Vorgeschichte der Freejazz-Bewegung in Wuppertal, das Thalia-Theater, den Sender Elberfeld, den Klarinettisten und Saxophonisten Ernst Höllerhagen, der als "Benny Goodman des Wupper-Tals" bekannt wurde, und auf Wolfgang Sauer, den in den 50er Jahren wohl bedeutendsten Jazz- und Bluessänger Deutschlands. Er betonte die Bedeutung der Entwicklungen, die von Peter Brötzmann und Peter Kowald angestoßen wurden. Und er forderte die zur Ausstellungseröffnung zahlreich erschienenen (mehr als 500) Besucher auf, stolz zu sein auf ihre Stadt und deren Musiker und deren kreative Impulse. Ein Konzert mit dem Saxophonisten Wolfgang Schmidtke, dem Schlagzeuger Dietrich Rauschtenberger und dem Kontrabassisten Christian Ramond rundete die Eröffnung auch musikalisch ab. Zu den dreien gesellte sich der Künstler Helge Leiberg, der auf zwei Overheadprojektoren live zur Musik zeichnete und malte, Bilder und Farbflächen entstehen ließ und wieder verwischte und so die gerade in Wuppertal immer vorhandenen Verbindungen zwischen den diversen Künsten dokumentierte. Die Ausstellung ist noch bis Anfang Januar zu sehen und absolut empfehlenswert.

On November 8th, an impressive exhibition opened at the Stadtsparkasse Wuppertal, documenting the city's jazz history. E. Dieter Fränzel, editor of the excellent book "sounds like whoopataal. Wuppertal in der Welt des Jazz" (Klartext-Verlag, Essen, 2006), has produced an extensive exhibition that shows numerous photos, informative texts, books, record covers, posters, instruments, but also works of art, sculptures and paintings dealing with or having been inspired by jazz. Speeches at the opening included the director of the Stadtsparkasse Mr. Vaupel, E. Dieter Fränzel himself, and Wolfram Knauer from the Jazzinstitut Darmstadt. Knauer reflected upon why certain artistic developments seem to be easier in medium-sized cities. His explanation: "Perhaps it is the chance of medium sized-cities that they encourage fantasies, experiments in small circles, that there seems to be more of a bourgeois pride in the avantgarde than in cities of a bigger size where people tend to have more of a critical distance. There is less local competition, there is a less of a hectic life than in the big cities, there is a calmer climate for discussion, and the people seem to be less weary of cultural events. They keep a pride in projects which in bigger cities might not be registered at all next to so much other activities. Thus, medium-sized cities can often be more productive than the so-called cultural centers." Knauer mentioned the pre-history of the free jazz movement in Wuppertal, the Thalia-Theater, the radio station Sender Elberfeld, the clarinetist and saxophonist Ernst Höllerhagen, who became known as the "Benny Goodman from the Wupper-Tal", and Wolfgang Sauer, who became the most successful German jazz and blues singer of the 1950s. He stressed the importance of the developments started by Peter Brötzmann and Peter Kowald. And he asked the large audience attending the opening (more than 500) to be proud of their city, of its musicians and of their creative impulses. A concert with the saxophonist Wolfgang Schmidtke, the drummer Dietrich Rauschtenberger and the double bassist Christian Ramond rounded off the opening in a musical way. The three were accompanied by the artist Helge Leiberg who painted on overhead projection, created drawings and sheets of color and wiped them out again and thus demonstrated the inter-arts projects Wuppertal always favored. The exhibition can be viewed until early January and is highly recommended.


Jazz News, 8. November 2006

Jazzfest Berlin (3)

Dave Douglas habe ihm gegenüber die politische Machtlosigkeit von Künstlern beklagt, berichtet Christian Broecking vom Berliner Jazzfest in der Frankfurter Rundschau. Es gäbe in den USA viele Musiker, die an neuen Sounds und Konzepten arbeiten, und es gäbe in Europa viele Bands, die sich am amerikanischen Traditionalismus orientierten, relativiert er die Diskussion über Fortschrittlichkeit hier und dort. Trompeterkollege Axel Dörner erklärt, dass Berlin sicher auch wegen der billigen Mieten derzeit einer der attraktivsten Kulturstandorte sei. Ein dritter Trompeter, der Norweger Arve Henriksen erklärt, dass es bei ihm zu Hause nicht jene sture Genrezuordnungen gäbe, die es deutschen Musikern schwer mache. "In Oslo sei die Interaktion zwischen Neuer notierter Musik, freier Improvisation, Folklore und elektronischem Jazz so fließend, dass man schon längst nicht mehr bei den puristischen Jazzvereinen spielt, sondern für ein junges Publikum, das grundsätzlich offen für aktuelle Musik sei." Beim Festival gefiel Broecking außerdem das Trio Minsarah des Pianisten Florian Weber mit Jef Denson am Bass und Ziv Ravitz am Schlagzeug, die aus Köln, San Diego und New York stammen, sich am Berklee College kennen gelernt hatten und auf der Bühne Dynamik und Ideenfrische bewiesen. Ulrich Olshausen erzählt in der FAZ, dass man beim diesjährigen Jazzfest schon seine Auswahl treffen musste, weil so viel gleichzeitig und an verschiedenen Orten stattfand, doch: "in der Überfülle des Gebotenen gab es viele Herrlichkeiten". Zu ihnen gehörte Erika Stuckys "kabarettistisches Hörspiel" und Wolfgang Puschnigs Treffen mit den Arnstetter Musikanten, Dave Douglas und das Trio Minsarah, das Olshausen ebenso beeindruckte wie Broecking. Ihm gefiel Brian Haas' Jakob Fred Odyssey und vor allem Globe Unity. Das Mahavishnu-Projekt des Wiener Radio String Quartet und jenes von Colin Towns, aufgeführt von der hr Bigband mit dem Gitarristen Martin Scales sowie den Mahavishnu-Originalen Billy Cobham und Jerry Goodman bot eine interessante Auseinandersetzung mit der Musik John McLaughlins. Begeistert war Olshausen auch vom Film "Der Pleitejazz", ein Drehbuch des flämischen Dichters Paul van Ostaijen aus den 20er Jahren, das erst jetzt verfilmt wurde. Eddie Bo und Allen Toussaint bescheinigt er Partystimmung und die Qualität von Hotelhallenunterhaltung. Der Vertrag des Festivalmachers Peter Schulze wurde um ein Jahr verlängert. "Drei", lobt Olshausen, "hätten es auch getan."

Dave Douglas complains about a lack of political influence of artists, reports Christian Broecking from the Berlin Jazzfest in the Frankfurter Rundschau. There are musicians in the US who experiment with new sounds and concepts, just as there are bands in Europe who follow the American traditionalism, Douglas comments about the current discussion about who is more progressive here and there. His trumpet colleague Axel Dörner explains that one of the reasons that Berlin is such a good place for artists is the city's low rent situation. A third trumpeter, the Norwegian Arve Henriksen says that in Norway there is no rigid stylistic pigeonholing as exists in Germany. "In Oslo the interaction between contemporary composed music, free improvisation, folk and electronic jazz is fluent so that nobody plays for purist-minded jazz clubs anymore but instead for a young audience that is basically open for all current musical developments." At the festival, Broecking liked the trio Minsarah of pianist Florian Weber with Jef Denson on bass and Zib Ravitz on drums who live in Cologne, San Diego and New York, met at the Berklee College, and on stage prove to be dynamic and full of fresh ideas. Ulrich Olshausen reports for the FAZ that you had to make your choice at this year's Jazzfest as so much happened at the same time and at different venues. But: "in the overflow of things offered there was a lot of beautiful stuff". Among this he counts Erika Stucky's "cabaret radio play" and Wolfgang Puschnig's meeting with the Arnstetter Musikanten, Dave Douglas and the trio Minsarah which impressed him just as much as it had Broecking. He liked Brian Haas' Jakob Fred Odyssey and especially Globe Unity. The Mahavishnu projects of the Vienna based Radio String Quartet and of Colin Towns, performed by the hr Bigband with guitarist Martin Scales and the Mahavishnu musicians Billy Cobham and Jerry Goodman offered an interesting and different look at McLaughlin's music. Olshausen loved the film "Der Pleitejazz", a film script written by Flemish author Paul van Ostaijen in the 1920s not filmed until today. Eddie Bo and Allen Toussaint offered nothing but party moods and music like in a hotel lobby, he says. The contract of the festival's artistic director Peter Schulze was signed for another year. "They might have made that three", praises Olshausen.

Dave Burrell

Der Pianist Dave Burrell spielt beim Festival in Bordeaux, und Serge Loupien spricht mit ihm für die französische Tageszeitung Libération. Er habe eines Tages Stan Getz' Version von "The Girl from Ipanema" im Radio gehört, erzählt Burrell, habe das dann auf dem Klavier nachgespielt, und seine Eltern hätten sich entschlossen, er solle Musikunterricht bekommen. Er habe im Berklee College studiert, sei aber dann in New York in die Szene von Musikern des New Thing geraten, Archie Shepp, Marion Brown und Grachan Moncur III. Er habe die gesamte Jazzgeschichte studiert, vom Ragtime über Bebop bis zum Free Jazz. Seine Mutter sei Mezzosopran gewesen und habe oft Musik aus Puccinis "La Bohème" gesungen. Die Musik habe ihn zu seiner Jazzoper "Windward Passages" beflügelt, die er als Soloklaviermusik 1979 für das Label Hat Hut einspielte, die aber bislang nie auf die Bühne kam. Sein Traum sei es immer noch, eines Tages zusammen mit Cecil Taylor aufzutreten.

The pianist Dave Burrell performs at the Festival in Bordeaux, and Serge Loupien talks to him for the French daily newspaper Libération. One day he listened to Stan Getz's "The Girl from Ipanema" on the radio, Burrell reminisces, re-played it on the piano, and his parents decided that he should take music lessons. He studied at Berklee College, but soon came under the influence of New Thing musicians in New York such as Archie Shepp, Marion Brown or Grachan Moncur III. He studied all of jazz history, from ragtime to bebop and free jazz. His mother had been a mezzo soprano and often sang arias from Puccini's "La Bohème". This music inspired him for his jazz opera "Windward Passages" which he recorded in 1979 as a solo piano version for the Hat Hut label, but which was never brought on stage so far. His dream is one day to perform in duo with Cecil Taylor.

Jazzkrieg in Bern / Jazz Wars in Bern

Über einen Jazzkrieg in Bern berichtet Ane Hebeisen in der Schweizer Zeitung Der Bund. Die Stadt hatte der lokalen Jazzszene ein Jazzhaus bescheren wollen und zwei der aktivsten Berner Jazzinitiativen, Bee-Flat und Be-Jazz, um die Erstellung eines Konzepts gebeten. Die stritten und trennten sich jüngst, und nun trat die eine Initiative, Be-Jazz, mit der Erklärung an die Öffentlichkeit, zusammen mit dem Stadttheater Bern 2007 in dessen neuer Spielstätte einen Club aufmachen zu wollen. Die Stadt ist pikiert, wollte sie mit ihrem Projekt doch auch die beiden Initiativen miteinander versöhnen. Bee-Flat reagierte mit der Erklärung, künftig 50 Prozent Schweizer Jazz in ihr Programm zu nehmen, was sie in konkrete Konkurrenz zu Be-Jazz bringen würde, die sich die nachhaltige Förderung der lokalen und nationalen Jazzszene auf die Fahne geschrieben hat. Beide Initiativen schielen auf die für ein Jazzhaus von der Stadt in Aussicht gestellten Subventionen in Höhe von 200.000 Schweizer Franken. Die Stadt rügt den Zwist, man könne schließlich nicht jeder Initiative ihren eigenen Spielort mitfinanzieren.

In the Swiss newspaper Der Bund Ane Hebeisen reports about a minor jazz war in the city of Bern. The city wanted to establish a jazz house for the local jazz scene and asked two of the most active jazz initiatives in the city, Bee-Flat and Be-Jazz, to come up with a concept. They fought and finally went separate ways, and now one of them, Be-Jazz, announced its plans for a club in the new venue of the Stadttheater Bern to open in 2007. The city is not amused as its plans were also directed at bringing the two initiatives together in the joint project. Bee-Flat's reaction was to announce that will feature Swiss jazz in more than 50 percent of their program in the future. This would bring them in direct competition to Be-Jazz which aims at supporting the local and the national jazz scene. Both initiatives are on the lookout after a municipal subsidy of 200.000 Swiss Franks for the planned Jazz House. The city is not happy about the fight, arguing that it would be impossible to finance a separate venue for each initiative.

Jazz in Wiesbaden

Peter Müller berichtet im Wiesbadener Tagblatt über die wunderbaren Wandlungen auf der Jazzszene Wiesbadens, einer Stadt, die bislang nicht gerade zu den Metropolen des zeitgenössischen Jazz zählte. Der Pianist Uwe Oberg und die Jazzinitiative "New Jazz/ARTist" halten die Fahre improvisierter Musik dennoch hoch, organisierten erst eine hochrangige Konzertreihe im Wiesbadener Caligari, dann an anderen Veranstaltungsorten, jüngst im "Weinländer". Und am kommenden Wochenende laden all diese Aktivisten zu einem kleinen Festival ein, dessen ausgesuchtes Programm durchaus mithalten kann mit dem Besten in den Jazzmetropolen: Satoko Fujii, Ulrich Gumpert, Gebhard Ullmann, Axel Dörner, Obergs eigens Projekt "Lacy Pool", Steve Swell und Barry Altschul. Wie man das alles mit kleinem Budget hinkriegt? "Man kennt sich, weiß voneinander", erklärt Oberg, und der Verein habe sich "eine Art Netzwerk entwickelt, über das sehr viele Kontakte gepflegt werden". Nun müsse nur noch das Publikum mitspielen, das in Wiesbaden eher traditionell orientiert sei. "Noch" ergänzt Müller.

For the Wiesbadener Tagblatt, Peter Müller reports about the wonderful changes on Wiesbaden's jazz scene, in a city not really known as a center of contemporary jazz. The pianist Uwe Oberg and the jazz musicians' initiative "New Jazz/ARTist" keep the flame of improvised music burning, first by starting an excellent concert series at the Wiesbaden Caligari theater, then at different venues, currently at the "Weinländer". Next weekend all of these activists join to organize a festival with a program comparable to the best in other German jazz centers: Satoko Fujii, Ulrich Gumpert, Gebhard Ullmann, Axel Dörner, Oberg's own project "Lacy Pool", Steve Swell and Barry Altschul. Hot can he finance all of this with just a small budget? "We know each other, know of each other", explains Oberg, and the initiative "developed some sort of network keeping alive many of the contacts". Now they hope for an audience in a city where people tend to be more attracted to traditional jazz. "Used to be more attracted" adds Müller.


Jazz News, 7. November 2006

Jazzfest Berlin (2)

Christian Broecking berichtet in der TAZ, dass Improvisation in Sainkho Namtchylaks Gesang "nicht Rätsel, sondern Geheimnis" bleibe. Die Sängerin eröffnete zusammen mit William Parker und Hamid Drake das Total Music Meeting, das parallel zum Jazzfest stattfand. Palle Mikkelborg erzählt Broecking, Miles Davis und Gil Evans hätten den besonderen Umgang mit Zeit und Melodien im europäischen Jazz herausgehoben. "Die Zeit, die sich Garbarek oder er nehmen würden, hätten die auf den Punkt orientierten Amerikaner quasi per Definition schon gar nicht." Die freie Szene fehle in Julian Benedikts Film "Play Your Own Thing", beklagt Broecking. Veteranen dieser Bewegung sind die Musiker des Globe Unity Orchestra, die auch zu hören waren in Berlin. Sie versuchen dem Ausfransen der Genregrenzen entgegenzuwirken, indem sie sich darauf konzentrieren, was ihnen wertvoll ist: Improvisation. Schlippenbach habe übrigens George Lewis untersagt, seine "little instruments" zu benutzen. Auch Free Jazz fordere Disziplin. Von dieser Disziplin hätten die Solisten profitiert, Kenny Wheeler, Evan Parker und besonders der Trompeter Axel Dörner. Markus Schneider sah für die Berliner Zeitung in Globe Unity ebenfalls einen Höhepunkt des Festivals. Sein Urteil:"Der Jazzbegriff mag leer sein, aber die Hallen sind fast durchweg rappelvoll bis ausverkauft. Jazz ist hier, was unterhält und meist Bläser hat." Ihm gefiel neben Globe Unity die New Birth Brass Band, Erika Stucky und Nik Bärtsch. Ihm gefiel nicht der "superelegante Cocktail-Jazz" Allen Toussaints und Wolfgang Puschnigs Projekt mit alpenländischer Trachtenkapelle. Josef Engels überlegt in der Berliner Morgenpost, ob es vielleicht eine Korrelation zwischen dem Ansehen der amerikanischen Politik und dem Stellenwert des europäischen Jazz gäbe. Engels sieht das "unterhaltsame Konzert" Toussaints und Eddie Bos im Zusammenhang mit der Filmdokumentation Robert Mugges über die Auswirkungen des Hurricane Katrina in New Orleans. Für ihn übrigens lieferte Nik Bärtsch das "wohl aufregendste Konzert" In der Welt erklärt Engels das noch etwas genauer. Bärtsch habe die "Cut-and-Paste-Prinzipien der elektronischen Gegenwartsmusik schlüssig auf eine analoge Jazz-Formation" übertragen. Er beschreibt Benedikts Film als bescheidenes Gegenstück zu Ken Burns' "Jazz" und stellt fest, dass die europäischen Musiker des Festivals genau das gemacht hätten, was der Filmtitel impliziert: "ihr eigenes Ding".

For the TAZ, Christian Broecking reports that in Sainkho Namtchylak's singing improvisation does not remain "a puzzle, but a secret". Together with the bassist William Parker and the drummer Hamid Drake, the singer opened the Total Music Meeting which took place at the same time as the Jazzfest. Palle Mikkelborg tells Broecking that Miles Davis and Gil Evans thought European jazz had a very specific way to deal with time and melodies. "The Americans, who by definition always wanted to come to the point, didn't have the time that Garbarek or he would take." The free scene is missing in Julian Benedikt's film documentary "Play Your Own Thing", writes Broecking. Veterans of this movement are the musicians of the Globe Unity Orchestra who could be heard on stage in Berlin. They try to counter the frazzling of the boundaries between the genres by concentrating on what is important to them: improvisation. Schlippenbach asked George Lewis not to use his "little instruments", by the way. Even free jazz, Broecking comments, asks for discipline. Such discipline was good for the soloists, Kenny Wheeler, Evan Parker, and especially the trumpeter Axel Dörner. In the Berliner Zeitung, Markus Schneider saw Globe Unity as a high point of the festival, as well. His bottom line - "The term jazz may seem hollow, but the halls are mostly filled to capacity if not sold out. In this context, jazz seems to be whatever entertains and uses woodwinds." - may sound like arts section babbling. Besides Globe Unity he liked the New Birth Brass Band, Erika Stucky and Nik Bärtsch. He did not like the "super elegant cocktail jazz" of Allen Toussaint and Wolfgang Puschnig's project with a traditional Alpine band. For the Berliner Morgenpost, Josef Engels speculates whether there might be a correlation between the reputation of American politics and the status of European jazz. He sees the "entertaining concert" of Toussaint and Eddie Bo in relation to the film documentary by Robert Mugge about the aftermath of Hurricane Katrina. For him, Nik Bärtsch presented the "most exciting concert" of the festival. In Die Welt, Engels specifies: Bärtsch "conclusively transported the cut and paste techniques of today's electronic music to the dimension of an acoustic jazz ensemble". Benedikt's film may be a modest counterpart to Ken Burns' "Jazz", Engels concludes, the European musicians at the festival did just what the film title implies: they "played their own thing".

Nana Mouskouri

Max Dax sprach für Die Welt mit der Sängerin Nana Mouskouri, die er in ihrem Haus am Genfer See traf. Sie plädiert dafür, den eigenen Weg zu finden, die eigene Identität zu wahren. Das gelte umso mehr in einer Welt der Globalisierung. Ihre Brille allerdings sei anfangs kein Mittel zu einer Art öffentlichen Identität gewesen, sondern einfach nur ihrer Kurzsichtigkeit zu verdanken. Zugleich aber sei die Brille auch ein Schutzschild gewesen, "meine nach außen gestülpte Seele". Erst die Medien hätten daraus ein feministisches Statement gemacht. Es sei früher nicht alles besser gewesen, aber leichter vielleicht doch. Sie wolle nicht nostalgisch klingen, schließlich sei nichts schlimmer als ein "Retro-Stil, also den unerfüllbaren Wunsch, sich in eine ehedem heile Welt zurückzuversetzen". Madonna sei ein heutiges Original, meint Mouskouri. Ihr Jazzalbum mit Quincy Jones von 1962 habe ihr Spaß gemacht, aber sie habe festgestellt, dass sie nun mal nicht dasselbe Leben wie die schwarzen Jazzer führe. Zur Identität gehöre auch die eigene Geschichte, der man sich stellen muss, egal wie leicht oder schwer das fällt.

For Die Welt, Max Dax talked to the singer Nana Mouskouri whom he met in her house near Lac Léman. She advocates finding one's own identity which she sees a even more important in today's globalized world. Her glasses were not meant as a way to publicize a public identity at first, but simply a means to overcome her nearsightedness. At the same time, the glasses were a shield, "my soul turned inside out". The media made it a feminist statement. Not everything was better in the olden days, she explains, but maybe it was a bit easier. She does not want to sound nostalgic, as she can't think of anything worse than "retro style, the un-accomplishable wish for a formerly ideal world". Madonna is an original of our times, Mouskouri thinks. She enjoyed making her jazz album with Quincy Jones in 1962, but at the same time she realized that she did not live the life of a Black jazz musician. Identity also means to accept one's own history, no matter how easy or hard that may be.


Jazz News, 6. November 2006

Jazzfest Berlin (1)

Das Berliner Jazzfest ist rum und wird fleißig in den Feuilletons der Nation besprochen. Nik Bärtschs Ronin zeigte, wie radikal Festivalmacher Peter Schulze "die gängigen Genre-Definitionen zu missachten bereit ist", schreibt Kai Müller im Tagesspiegel. Programmatische Linien waren die Musik aus dem Alpenraum und aus New Orleans sowie die Verbindung von Jazz und Film. Irgendwie habe das alles wie eine europäische Standortbestimmung gewirkt, "amerikanische Musiker spielten nur Nebenrollen". Globe Unity weise denn doch keine neuen Wege mehr und lasse einen irgendwie jenen Mangel an Feeling klar werden, "der auf den Bruch mit dem amerikanischen Jazz-Idiom folgte". Erika Stucky war fulminant, Wolfgang Puschnigs Quartett kabbelte sich mit den Arnstettner Musikanten. Das Radio String Quartet nahm sich überzeugend der Musik des Mahavishnu Orchestra an, während ein ähnliches Projekt der hr Bigband "dasselbe Material wenig später - sogar unter Mitwirkung von Mahavishnu-Drummer Billy Cobham und dem Geiger Jerry Goodman - aufs Format einer Festsaal-Kapelle schrumpfen ließ".

The Berlin Jazzfest is over, and the nation's arts sections fill with reviews. Nik Bärtsch's Ronin are a proof of how far the festival's artistic director Peter Schulze "is willing to disregard the usual genre definitions", writes Kai Müller in the Tagesspiegel. The programmatic themes of this year's festival were the music from the Alpine region and from New Orleans as well as the connections between jazz and film. Somehow much of it sounded like a definition of the position of European jazz, "American musicians only playing supporting roles". Globe Unity does not show new ways any more, and its music somehow makes one realize the absence of feeling "which followed the break with American jazz idioms". Erika Stucky was brilliant; Wolfgang Puschnig's quartet squabbled with the Arnstedter Musikanten. The Radio String Quartet's reworking of the music of the Mahavishnu Orchestra proved convincing, while a similar project of the hr Bigband "shrank the same material a little later - even though supported by Mahavishnu drummer Billy Cobham and the violinist Jerry Goodman - to the dimensions of a festival hall band".

Ed Berger

Mitchell Seidel berichtet im  New Jersey Star-Ledger  über Ed Berger, den stellvertretenden Direktor des Rutgers Institute of Jazz Studies, der amerikanischen Variante des Jazzinstituts Darmstadt (nur dass die Amerikaner denn doch noch um einiges größer sind und auf eine erheblich längere Geschichte zurückblicken können). Berger eröffnete gerade eine Ausstellung seiner Jazzfotos nur wenige Schritte von seinem Büro an der Rutgers University entfernt. Das früheste seiner Fotos zeigt Louis Armstrong im Jahr 1966. Berger wurde sozusagen von seinem Vater mit dem Jazzvirus infiziert. Morroe Berger war Soziologieprofessor, Jazzfan und enger Freund des Altsaxophonisten Benny Carter. Vater und Sohn Berger brachten Anfang der 80er Jahre eine umfangreiche Biographie Carters heraus, und Ed blieb bis zum Tod des Saxophonisten ein enger Freund. Durch Carter konnte Berger viele der Größen des Jazz in privateren Augenblicken ablichten, darunter Jazzmusiker wie Wynton Marsalis, Dizzy Gillespie, Ruby Braff oder Joe Wilder.  

For the New Jersey Star-Ledger, Mitchell Seidel reports about Ed Berger, associate director of the Rutgers Institute of Jazz Studies, the US equivalent to the Jazzinstitut Darmstadt (although the Americans are quite a bit larger and have a much longer history behind them). Berger just opened an exhibition of his jazz photographs only steps from his office at Rutgers University. The earliest of his photos shows Louis Armstrong in 1966. Berger caught the jazz bug through his father, Morroe Berger, who was a sociology professor, a jazz fan and a good friend of alto saxophonist Benny Carter. Father and son Berger wrote and published an extensive Carter biography in the early 80s, and Ed stayed close friends with the saxophonist up to his death. Through Carter he was able to photograph many jazz greats in more private settings, among them jazz musicians such as Wynton Marsalis, Dizzy Gillespie, Ruby Braff or Joe Wilder. 

Keith Jarrett

Wolfgang Sandner reiste für die FAZ nach Paris, wo Keith Jarrett letzte Woche gleich zwei Konzerte in der Salle Pleyel spielte. Er stellt fest, dass Jarretts Finger auch in den Jahren, in denen er sich vom Musikgeschäft zurückgezogen hatte, "offenbar alles gespeichert haben, was er jemals spielte". Doch er ruft all dies nicht ab wie ein Computer, sondern: "Die Töne, die ihm in die Finger kommen, wurden gewissermaßen einem geistesblitzschnellen Idiosynkrasie-test unterzogen: Welche Klänge sind mittlerweile durch ständigen Gebrauch ästhetisch enteignet worden? Was lässt sich nach langer Spielpause wieder hörend ertragen? Was kann man an neuem Klang produzieren, indem man Töne in neuen Verbindungen, neuen Farben, neuen Formen präsentiert?" Sandner betont, dass Jarrett mehr als jeder andere Pianist der Gegenwart die Genregrenzen verwischt, im Einfluss wie im Ausdruck. In Paris war Jarrett so inspiriert, dass er "etwas gemacht hat, was eigentlich unmöglich ist: Vibrato auf Klaviertasten und ein Crescendo auf einer Klangpause". Überwältigend, findet Sandner und endet: "Plötzlich, nach zwei Stunden voller wunderlichster Rhapsodien, brachialer Klänge, grotesker Genrestücke und den ganzen biegsamen Körper fordernder Tonkaskaden steht Keith Jarrett auf und verlässt die Bühne, als habe er lediglich ein paar Lockerungsübungen absolviert. Kunst darf eben alles, nur nicht schwitzen. Dass hinter der Bühne schon der mitgereiste Physiotherapeut auf den Künstler wartet, muss das frenetisch applaudierende Publikum ja nicht wissen."

For the FAZ, Wolfgang Sandner traveled to Paris where Keith Jarrett gave two concerts at the Salle Pleyel last week. He notes that Jarrett's fingers obviously "stored everything he ever played". Yet  he does recall these memories as a computer recalls data, but: "The notes that come to his fingers are submitted to a brainwave fast idiosyncrasy test: Which sounds have been aesthetically disapproriated by constant use? What can be suffered again after not having been played for a while? What new sounds can be produced by presenting the notes in new relationships, new colors, new forms?" Sandner stresses that Jarrett more than any other pianist today obliterates the boundaries between the genres, in his influences as well as in his artistic expression. In Paris, Jarrett was so inspired that he "did something which should be impossible: vibrato on the piano keys and a crescendo during a  sound rest". Overwhelming, says Sandner, and finishes his review: "Suddenly, after two hours of fantastic rhapsodies, brute sounds, grotesque genre pieces and cascades of notes that demand the whole flexible body, Keith Jarrett gets up and leaves the stage, as if he just accomplished some relaxation exercises. Art is entitled to everything except sweat. Nobody in the frenetically applauding audience needs to know that backstage the physio therapist he is traveling with was already waiting for the artist."


Jazz News. 5. November 2006

Larry Coryell

Larry Coryell tritt in Santa Cruz auf, und für einen Vorbericht interviewt Charles Levin ihn für den Santa Cruz Sentinel. Er sei aufgewachsen, als sowohl Jazz als auch Rock sich im Umbruch befunden hätten, berichtet Coryell. Wenn man gut spielte, war es egal, in welchem Genre man das tat. Als die Fusion en vogue war, hätten einige Bandleader diese Stilrichtung verdammt, sagt er. "Der Widerstand in den 70ern gründete ein wenig auf der Angst, seine Arbeit zu verlieren. Das ist lange vorbei. Straight-ahead swinging Jazz ist heute eine lukrative Angelegenheit und Fusion hat sich zum Smooth Jazz gewandelt."

Larry Coryell performs in Santa Cruz and Charles Levin interviews him for a concert preview in the Santa Cruz Sentinel. He grew up when both jazz and rock were in a state of flux, says Coryell. If you played well it didn't matter which genre you were working in. When fusion was en vogue, there were bandleaders who blasted the music. "The resistance in the '70s was based on fear of probably losing work, which has long since passed," Coryell says. "Straight-ahead swinging jazz is quite lucrative now and fusion has morphed into smooth jazz."

Philipp van Endert

Andreas Fasel unterhielt sich für Die Welt mit einem anderen Gitarristen, dem Deutschen Philipp van Endert, der in Leverkusen am selben Abend wie Al Di Meola spielen wird. Er werde aber nicht den Fehler machen, deshalb plötzlich ganz schnell zu spielen, nimmt sich van Endert vor und lacht. Soll Di Meola doch so schnell spielen wie er will, schreibt Fasel, van Endert werde so lyrisch spielen, wie nur er kann: "fein gesponnene Melodien sind sein Markenzeichen". Als Junge sei er von der Rockmusik der Band Kiss begeistert gewesen. Eine Freundin habe ihn auf Pat Metheny aufmerksam gemacht - und da, meint Fasel, "erscheint es geradezu logisch, dass die stilsichere Freundin nun Enderts Frau ist". Über sein Studium am Berklee College in Boston sagt der Gitarrist: "Dort reinzukommen war nicht so besonders schwierig, aber drinzubleiben." Ob die Popwelt eine Alternative sei zum Jazz, fragt Fasel. Nein, antwortet van Endert, außer: "Wenn Sting anriefe, würde ich vielleicht mitgehen."

For Die Welt, Andreas Fasel talks to another guitarist, the German Philipp van Endert who will perform in Leverkusen the same evening as Al Di Meola. But he won't make the mistake to play very fast because of that, Enders says and laughs. Let Di Meola play as fast as he wants to, writes Fasel, van Endert will play as lyrical as only he can: "finely spun melodies are his trademark". As a boy he was fascinated by the rock band Kiss. A friend introduced him to the music of Pat Metheny, and, says Fasel, "it seems logical that this friend with her stylistic confidence became Endert's wife". The guitarist talks about his study at Berklee College in Boston: "It's not so difficult to be accepted there, but it is difficult to stay." Fasel asks whether the pop world would be an alternative to jazz. No, says van Endert, except: "If Sting would call, I might go."

Julian Benedikt & "Play Your Own Thing"

Die Filmpremiere liegt hinter ihm, und endlich mal wieder füllte der Jazz alle Feuilletons der Bundesrepublik. Julian Benedikt hat in seinem Film "Play Your Own Thing" das Thema des europäischen Jazz beleuchtet, in Zeitzeugeninterviews und Filmausschnitten der letzten 50 Jahre. Für Planet Interview sprachen Jakob und Franziska Buhre mit dem Regisseur. Er erläutert, wie er die Auswahl der Musiker getroffen habe, die im Film zu Worte kommen, und er erzählt, dass es alles andere als selbstverständlich sei, einen Film über Jazz zu machen und den dann auch noch in die Kinos zu kriegen. Ihn selbst habe der Free Jazz lange Zeit vom Jazz abgehalten, und sein Wunsch sei, "solche Vorurteile aufzubrechen und Leute an Musik heranzuführen, die sie vielleicht nicht hören würden weil sie eben diese Vorurteile haben". In seinem Film sei es ihm wichtig gewesen, zu zeigen, dass der Jazz heutzutage nicht mehr nur amerikanisch ist. Es sei ziemlich schwer gewesen, an Archivmaterial heranzukommen, die Dänen hätten ihn glücklicherweise sehr unterstützt. Jazz sei sein Filmthema, weil die Musiker solche Unikate seien. Europäische Musiker hätten jahrelang darunter gelitten hatten "als Europäer nicht denselben Stellenwert bei den Plattenfirmen, bei Clubs und Veranstaltern erreichen zu können" wie die Amerikaner". Dann spricht er noch über den musikalischen Filmschnitt, über historische Genauigkeit, über nordische Landschaft und die Musik des armenischen Komponisten Gurdijeff.

The film's premiere was last week, and finally jazz filled many of the arts sections in German newspapers. In his film "Play Your Own Thing", Julian Benedikt looks at European jazz, talks to eye witnesses and shows documentary footage from the last 50 years. For Planet Interview , Jakob and Franziska Buhre talk to the director. He explains how he chose which musicians to show in his film, and also that it is quite difficult to get a film about jazz into the movie theaters. He himself was scared off from jazz for a long time because of free jazz, and he wants to "break such prejudices and get people to listen to this music who normally might not do so because of their prejudices". In his film he wanted to show that today's jazz is not only American. It was very difficult to get footage from archives; especially the Danes were very helpful. Jazz is his film subject, because the musicians are so unique. European musicians for years were suffering because "as Europeans they did not have the same value with record companies, club or concert promoters" as the Americans. Then he talks about musical vilm cuts, about Nordic landscapes and about the music of the Armenian composer Gurdijeff.


Jazz News, 4. November 2006

Alice Coltrane

Für den San Francisco Chronicle portraitiert Daniel King die Pianistin Alice Coltrane, die gleich zu Beginn des Gesprächs klarmacht, dass sie es nicht mag, nur als Pianistin oder als die Witwe von John Coltrane dargestellt zu werden. "Er hat uns nicht verlassen," sagt sie, "überhaupt nicht." 1978 habe sie sich für ein Vierteljahrhundert von der Bühne zurückgezogen, um zu beten und zu meditieren. Aber die Musik habe sie auch während dieser Jahre nie verlassen. In ihrem Ashram in Kalifornien leben etwa 30 Menschen, studieren heilige Hindu-Texte und nennen Alice Coltrane Swamini A.C. Turiyasangitananda, ein Sanskrit-Name, der soviel bedeutet wie Gottes musikalisches Glück. King spricht mit Ravi Coltrane, der heute abend mit seiner Mutter beim San Francisco Jazz Festival auftreten wird und der bezeugt, das es wirklich ziemlich "wild" sei, mit ihr auf der Bühne zu stehen. "Auf einmal denkst du, 'Wow, wir machen Musik zusammen', und im nächsten Moment fühlst du dich wieder wie 14. ... Egal wie tief die Musik reicht, da stehen immer noch Mutter und Sohn auf der Bühne." Auch die anderen Coltrane-Kinder machen Musik, Oran spielt Saxophon, und John Jr. spielte Bass, bevor er 1982 bei einem Autounfall ums Leben kam. Alice selbst wuchs in einem musikalischen Haushalt auf. Sie nahm bei Bud Powell Unterricht, bevor sie sich in den Saxophonisten John Coltrane verliebte. Die beiden heirateten 1965, und zur selben Zeit änderte sich auch seine musikalische Ästhetik. McCoy Tyner findet, dass Alice ihn sehr gut ersetzt habe und lobt vor allem, dass sie Coltranes neue Richtung unterstützt habe. Er selbst habe sich in dieser neuen Richtung aber nicht wohl gefühlt und daher das Quartett verlassen. Coltrane habe Stilbeschreibungen wie Free Jazz, Avantgarde, New Black Music nie gemocht, erzählt Alice. Und auch für sie ist seine Musik vor allem eins: Sound. Alice managt das Erbe ihres Mannes. Sie hat vor Jahren öffentlich gemacht, dass sie mit keinem anderen Mann zusammen sein möchte. Sie will, dass seine Musik in ihr fortlebt, ohne dass sie wie er ist oder wie er dächte. "Du kannst du selbst sein, so wie du bist, und es dennoch weitergeben."

For the San Francisco Chronicle, Daniel King portrays the pianist Alice Coltrane who makes clear at the beginning of their talk that she does not like to be identified only as a pianist or as John Coltrane's widow. "He hasn't left," she says. "Not at all." In 1978 she withdrew from the stage for a quarter century in order to pray and to meditate. But during these years the music never had left her. In her ashram in California she lives with about 30 people who study holy Hindu texts. They call Alice Coltrane Swamini A.C. Turiyasangitananda, a Sanskrit name that means the musical bliss of God. King speaks to Ravi Coltrane who will perform with his mother tonight at the San Francisco Jazz Festival and who attests that it can be pretty "wild" to be onstage with his mother. "There's moments where you feel, 'Wow, we're making music together,' and the very next moment I'm 14 years old again. ... No matter how deep the music part of it is, it's always still a parent and their child onstage." The other Coltrane kids play instruments as well, Oran is a saxophonist, and John Jr. played the bass before he was killed in a car accident in 1982. Alice herself grew up in a musical household. She studied with Bud Powell before falling in love the saxophonist John Coltrane. The two married in 1965 and around the same time Coltrane's musical aesthetic changed. McCoy Tyner thinks that Alice was a good replacement for him, and he praises the way she supported Coltrane's new direction. He himself had not felt too comfortable with these new directions, which was the reason why he left the quartet. Coltrane never liked descriptions of his music as free jazz, avantgarde or New Black Music, says Alice. And for her his music is mainly one thing: sound. Today, Alice manages John Coltrane's estate. She took a vow of celibacy years ago because, as she told Ebony magazine, she wouldn't dream of being with "less a man." She wants his music to live on through her without being him or thinking like him. "You can be yourself, as you are, and yet give it."

Alexander von Schlippenbach & Globe Unity Orchestra (2)

Vor ihrem Berlin-Auftritt spielte das Globe Unity Orchestra beim Enjoy Jazz Festival in Mannheim, und Hans-Jürgen Linke berichtet für die Frankfurter Rundschau. 15 Musiker kommen dort auf die Bühne, improvisieren aus der Tabula Rasa heraus, entwickeln Geräusche und Töne und schließlich musikalische Strukturen. "Und zwar immer wieder neue." Der Posaunensatz (rechts) sei am stärksten strukturiert gewesen, konstatiert Linke, der Saxophonsatz (links) dagegen anarchischer, und die Trompeter in der Mitte hätten mal nach der einen, mal nach der anderen Seite tendieren dürfen. "Jeder Einzelne spielt im Laufe des Konzerts ein Solo und das Schlippenbach-Trio (mit Paul Lovens, Schlagzeug, und Evan Parker, Tenor- und Sopransaxofon) ein Intermezzo." Und Schlippenbach selbst, Erfinder des Projekts, das vor 40 Jahren erstmals auf die Bühne kam? Er sei "gleichermaßen Solist und Ensemblemitglied, ist Klischeeverhinderer und Ermöglicher allerlei individuellster Ausdrucksweisen". Globe Unitys musikalische Ästhetik sei rundfunk- und tonträgerunfreundlich, sei vor allem auf das Liveerlebnis angewiesen. Und zeige sich auch nach 40 Jahren "immer noch unabgenutzt und setzt auf und vor der Bühne erstaunliche Energien frei".

One day before they perform in Berlin, the Globe Unity Orchestra played at the Enjoy Jazz Festival in Mannheim, and Hans-Jürgen Linke reports about their concert for the Frankfurter Rundschau. 15 musicians come onto the stage, improvise from a tabula rasa situation, develop sounds and tones and finally musical structures. "And always new structures." The trombone section (on the right) was responsible for the structural framework, writes Linke, the saxophone section (on the left) was the anarchic part of the band, and the trumpets in the middle could tilt to one or the other side as they chose. "Everyone played a solo during the concert, and the Schlippenbach Trio (with Paul Lovens, drums, and Evan Parker, tenor and soprano saxophone) played an intermezzo." And Schlippenbach himself, father of this project which he initiated 40 years ago? He is "soloist and ensemble member at once, he prevents clichés and at the same time allows for so many different individual manners of expression". Globe Unity's musical aesthetic is hard to understand through the radio or on record; it should be experienced in concert. And even after 40 years it is "still not worn out and releases amazing energies on and before the stage".


Jazz News, 3. November 2006

Myra Melford

Andrew Gilbert portraitiert im San Francisco Chronicle die Pianistin Myra Melford, die vor zwei Jahren für eine Professur an der Berkeley University von New York nach San Francisco zog. Momentan spielt sie mit einem Quintett Stücke, die durch einen Aufenthalt in Indien beeinflusst sind, aber es findet sich auch ein Stück im afro-kubanischen Clave-Rhythmus in ihrem aktuellen Repertoire. Melford wuchs in Chicago in einem von Frank Lloyd Wright entworfenen Haus auf, und als sie nach New York zog, entdeckte sie Parallelen zu Wright in der musikalischen Ästhetik des Saxophonisten Henry Threadgill, mit dem sie zusammenarbeitete: "Henry brachte mir sein Konzept einer organischen Komposition nahe, bei der man mit nur einer Idee beginnt und diese dann fast wie ein Kristall in alle Richtungen entwickelt, so dass die Form des Stücks sich daraus ergibt, wie sich das Material darstellt, anstatt dass man von außen eine Struktur aufpfropft . Mich erinnerte das sehr daran, wie Wright seine Architektur anging."

For the San Francisco Chronicle, Andrew Gilbert portrays the pianist Myra Melford who moved to San Francisco two years ago to accept a teaching position at Berkley University. With her quintet she plays pieces that were influenced by a stay in India, but also a piece based on an Afro-Cuban clave. Melford grew up in Chicago in a house designed by Frank Lloyd Wright, and when she moved to New York, she discovered parallels to his aesthetics in the musical approach of the saxophonist Henry Threadgill with whom she worked for a while: "Henry introduced me to his concept of organic composition, the idea of starting with just one idea and developing it almost like a crystal in all these different ways and then having the form of the piece grow out of however the material presented itself, rather than formally imposing a structure. And I thought that was very much like how Wright approached his architecture."

Jazzpublikum / Jazz Audience

Das National Endowment for the Arts, Amerikas staatlicher Kulturfonds, stellt in einer jüngsten Untersuchung fest, dass Amerikaner im Alter zwischen 18 und 34 Jahren sich mehr und mehr von den Künsten abwenden. Das betreffe alle Künste, aber NEA schlüsselt auf, wie Mike Boehm in der Los Angeles Times berichtet: "2002 lasen nur 45.2% der untersuchten Altersgruppe ein Gedicht, eine Short Story, einen Roman oder ein Schauspiel, gegenüber 53.5% im Jahr 1992 and 61.1% in 1982. Jazzkonzerte wurden von 10.6% besucht gegenüber 12.7% in 1992 und 15.7% in 1982. Klassische Konzerte wurden von 8.5% besucht gegenüber 10.2% bzw. 12.2%. Oper: 2.6% - eine Zahl die die letzten 20 Jahre etwa gleich blieb. Musicals zogen 15.1% an, verglichen mit 18.5% vor 20 Jahren; Schauspiele interessierten 10.9%, verglichen mit 12.5% in 1992." Auch die ehrenamtliche Arbeit habe nachgelassen, klagt die NEA und hofft, dass ihr Report aufrüttelt und "jemand da draußen" sich der Sache annimmt. Der Report ist übrigens online einsehbar: http://www.nea.gov/pub/CivicEngagement.pdf.

In a new study the National Endowment for the Arts reports that Americans between 18 and 34 tune increasingly out from the arts. This is true for all the arts, but NEA provides specific numbers, as Mike Boehm reports in the Los Angeles Times: "The results for the 18-to-34 set: In 2002, only 45.2% reported reading even a single poem, short story, novel or play, down from 53.5% in 1992 and 61.1% in 1982. As for performing arts attendance, jazz concerts drew 10.6%, down from 12.7% in 1992 and 15.7% in 1982. Classical: 8.5% compared to 10.2% and 12.2%. Opera: 2.6% — pretty much flat over the 20 years. Musicals drew 15.1% compared to 18.5% 20 years ago; plays attracted 10.9%, compared to 12.5% in 1992." There are less people doing voluntary work, as well, says the NEA and hopes that its report will have the effect that "someone will take leadership out there". By the way, the report can be read online: http://www.nea.gov/pub/CivicEngagement.pdf.

Jon Hassell

Christian Broecking berichtet in der Berliner Zeitung über den Trompeter Jon Hassell, der vor vierzig Jahren in Köln deutsch lernte, als er bei Stockhausen studierte. Hassell erfand vor zwanzig Jahren den Begriff "Fourth World", mit dem er darauf hinweisen wollte, dass es viele Formen außerhalb des Jazz gäbe, bei denen die Improvisation eine große Rolle spiele. Der norwegische Trompeter Nils Petter Molvaer habe ihm gebeichtet, dass Hassel einer seiner wichtigsten Einflüsse sei: "Er habe zehn Jahre gebraucht um herauszufinden, was ich tue, und weitere zehn Jahre, um es wieder zu vergessen." Hassel klagt, in den USA habe er kaum Auftritte, die europäische Jazzszene wäre für ihn immens wichtig. Und es gruselt ihn, wenn das "Surreale, auf das er zielt, im Resultat wie Smooth Jazz" klinge.

For the Berliner Zeitung, Christian Broecking reports about the trumpeter Jon Hassell who learned to speak German 40 years ago while studying with Stockhausen. Twenty years ago, Hassell invented the term "Fourth World" to point out that there are many musical forms outside of jazz which make use of improvisation. The Norwegian trumpeter Nils Petter Molvaer once told him that Hassell had been a big influence on him: "It took him ten years to find out what I'm doing, and another ten years to forget it." Hassell complains that he hardly performs in the USA , the European jazz scene is very important for him. He finds it creepy if the surreal music he is attempting to achieve in the end sounds like smooth jazz.

Alexander von Schlippenbach & Globe Unity Orchestra (1)

Eigentlich habe man ihn auf dem diesjährigen Berliner Jazzfest nicht spielen lassen wollen, beklagt sich der Pianist und Free-Jazz-Pionier Alexander von Schlippenbach bei Maxi Sickert im Tagesspiegel. "Sie wollen keine alten, hässlichen Männer und sie wollen keinen Free Jazz." Aber da sein Globe Unity Orchestra vor vierzig Jahren in Berlin seinen Durchbruch erlebte, gibt es heute abend nun doch einen Auftritt an selber Stelle. Sickert besuchte die Band bei der Probe im Studio des Südwestrundfunks. Neben den gestandenen älteren Musikern der Band, dem Posaunisten George Lewis etwa oder dem Saxophonisten Ernst-Ludwig Petrowsky, spielen auch jüngere Musiker mit, der Bassklarinettist Rudi Mahall etwa und der Trompeter Axel Dörner oder als Neuzugang Jeb Bishop, Posaunist aus Chicago. Der europäische Free Jazz erfuhr, berichtet Sickert, erst durch "das Interesse einiger junger US-Musiker" ein kleines Revival. Patrik Landolt, bei dessen Label Globe Unity veröffentlicht, lobe den Free Jazz "als die Klassik der Moderne". Zuhause proben Schlippenbach und seine Frau, die Pianistin Aki Takase, in einem mit Schaumstoff ausgekleideten Zimmer, um die Nachbarn der Altbauwohnung nicht zu stören. Er klagt, dass die kreative improvisierende Szene Berlins nirgends angemessen wahrgenommen werde und dass die GEMA den Jazz immer noch als U-Musik und damit in die finanziell unterste Stufe eingruppiere.

They didn't want to let him play at this year's Berliner Jazzfest at first, complains the pianist and free jazz pioneer Alexander von Schlippenbach, talking to Maxi Sickert for the Tagesspiegel. "They want no old, ugly men, and they want no free jazz." But as his Globe Unity Orchestra made their artistic breakthrough at the festival exactly 40 years ago, there will be a performance by the band tonight, after all. Sickert visited the musicians during a rehearsal at the studio of Südwestrundfunk. Next to some of the old warriors like the trombonist George Lewis or the saxophonist Ernst-Ludwig Petrowsky she met younger musicians such as the bass clarinetist Rudi Mahall and the trumpeter Axel Dörner or the newest member of the band, Chicago-based trombonist Jeb Bishop. Only the interest of some young US musicians caused a small revival of European free jazz, reports Sickert. Patrik Landolt for whose label Globe Unity records, calls free jazz "the classical music of our times". At home, Schlippenbach and his wife, the pianist Aki Takase, rehearse in a room mantled with foam in order not to disturb the neighbours of their old apartment. He complains that the creative scene of improvising musicians in Berlin is not appreciated enough, and that GEMA, the German copyright organization, still classifies jazz in its lowest-paying category as entertainment music.


Jazz News, 2. November 2006

Dave Pike

Der Vibraphonist Dave Pike, in dessen deutscher Band von 1968 bis 1972 auch der Gitarrist Volker Kriegel wirkte, tritt dieser Tage in Pittsburgh zusammen mit dem Saxophonisten Nathan Davis auf, der wie Pike ebenfalls in den 60er Jahren amerikanischer Expatriate in Europa war. Gegenüber Nate Guidry von der Pittsburgh Post-Gazette entschuldigt sich Pike erst einmal dafür, dass er noch unter Jet Lag leide, weil er gerade erst aus Japan zurückgekommen sei. Japan sei jetzt für den Jazz viel spannender als Nordeuropa, meint er (und wir denken und ergänzen empört: für den amerikanischen Jazz). Japanische Musiker sprechen zwar kein Wort Englisch, aber musikalisch seien sie auf der Höhe. Er sei schon überall auf der Welt gewesen, nur noch nicht in Pittsburgh, meint Pike. Und Nathan Davis habe er das letzte Mal in den 60er Jahren in Paris gesehen, als sie beide zusammen mit Kenny Clarke und Sahib Shihab gearbeitet hätten. Der in Detroit geborene Vibraphonist war durch Milt Jackson beeinflusst, nahm 1958 sein erstes eigenes Album auf und wurde Anfang der 60er Jahre in der Band des Flötisten Herbie Mann bekannt. Er spielte mit Elvin Jones und zog Mitte der 60er Jahre nach Deutschland, wo er etwa ein Jahrzehnt blieb. Mitte der 70er eröffnete er in Kalifornien einen Jazzclub, zog später für eine Weile nach Belgien und lebt heute in Orange County, Kalifornien.

The vibraphone player Dave Pike in whose band the German guitarist Volker Kriegel played from 1968 to 1972, performs together with the saxophonist Nathan Davis these days, who like Pike was an American expatriate in Europe in the 60s. Talking to Nate Guidry for the Pittsburgh Post-Gazette, Pike apologizes for being jet lagged, as he just returned from Japan. Japan is much more appreciative for jazz than northern Europe, he says (and we think and indignantly comment: for American jazz). Japanese musicians may not speak English, but they really know the music. He has been everywhere in the world but never in Pittsburgh, says Pike. The last time he saw Nathan Davis was in Paris in the 60s where both of them worked in the band of Kenny Clarke and Sahib Shihab. The Detroit native who was influenced by Milt Jackson recorded his first album in 1958 and became known with the band of the flutist Herbie Mann. He performed with Elvin Jones and in the mid-60s moved to Germany where he stayed for a decade. In the mid-70s he opened a jazz club in California for a while, then moved to Belgium, and today lives in Orange County, California.

Rudi Wilfer

Die Salzburger Nachrichten berichten aus Anlass seines 70. Geburtstages (im September) über den Jazzpianisten Rudi Wilfert. Der begann seine Musikerkarriere Mitte der 50er Jahre in der Band des Klarinettisten Fatty George. Als Bestandteil der Wiener Jazzszene begleitete er aber auch internationale Jazzstars wie Bud Freeman, Eddie Davis, Oliver Nelson oder sogar Ella Fitzgerald. Wilfer wurde durch Joe Zawinul zum Jazz gebracht, und er nahm dessen Platz bei Fatty George ein, als Zawinul in die USA ging. Seit den 70er Jahren lebt Wilfer wieder in seiner Heimatstadt Salzburg, wo er nebenbei am Konservatorium lehrt, eine Oper in der Schublade hat und alt wie Johannes Heesters werden will.

The Salzburger Nachrichten reports about the jazz pianist Rudi Wilfer who turned 70 in September. Wilfer began his career in the mid 50s in the band of the clarinetist Fatty George. As part of the Vienna jazz scene he also accompanied many international jazz stars such as Bud Freeman, Eddie Davis, Oliver Nelson or even Ella Fitzgerald. Wilfer was introduced to jazz through Joe Zawinul, whom he replaced in the Fatty George band when Zawinul moved to the US. Since the 70s Wilfer lives in his hometown Salzburg where he teaches at the conservatory, has an opera score in one of his drawers and wants to become as old as Johannes Heesters.

Oliver Jones

In Montreals West Island Chronicle berichtet Barbara Lavoie über den 72jährigen kanadischen Pianisten Oliver Jones, der wieder auf Tournee ist, nachdem er sich kurzfristig von der Szene zurückgezogen hatte. Jetzt tritt er wieder auf, anfangs nur in der direkten Umgebung seiner Heimatstadt Montréal, dann aber doch wieder in ganz Kanada. In seinen Konzerten legt Jones Wert auf den Kontakt mit dem Publikum, fordert sie auf, Wünsche zu äußern und spielt diese dann im zweiten Set. Er sieht sich als Vorbildfigur für die schwarze Community in Montréal. Seine eigene Identifikationsfigur sei Oscar Peterson gewesen, und er wolle etwas an die Community zurückgeben, was er in seiner Jugend von ihr erhalten habe.

In Montreal's West Island Chronicle, Barbara Lavoir reports about the 72 year old pianist Oliver Jones who tours again after a brief sojourn of retirement. He performs again, starting in places close to his home base Montréal, but then all over Canada. In his concerts Jones likes to stay in contact with his audience. He invites requests which he usually plays during the second set. Jones sees himself as a positive role model to Montréal's black community. His own role model was Oscar Peterson, and he wants to give back some of what he got from the community during his youth.


Jazz News, 1. November 2006

William Parker

Parallel zum JazzFest Berlin beginnt morgen das Total Music Meeting mit einem Konzert des Kontrabassisten William Parker. Christian Broecking spricht mit ihm für die Berliner Zeitung über die Bedeutung aktueller kreativer Musik für ein schwarzes Publikum, das selbst beim vom ihm organisierten Vision Festival in der Minderheit ist. Das Vision Festival entstand aus dem Sound Unity Festival, welches 1983 erdacht wurde, als der deutsche Künstler A.R. Penck Parker und Peter Kowald 50.000 Mark zusagte, um ein Musikerereignis ihrer Wahl in New York zu initiieren. Musik habe heilende Wirkung, meint Parker, und selbst angesichts der täglichen schrecklichen Nachrichten unserer Tage meint er, ohne Musik wäre das alles noch schrecklicher. Er fühlt sich als Überlebender eines kleinen Stammes, die Musik macht, die nicht den Massengeschmack erreicht. Aber das sei halt so, die Kreativität selbst würde nicht sterben, und Kunst würde auch weiterhin immer politisch sein.

Parallel to the JazzFest Berlin the Total Music Meeting will start tomorrow with a concert by the double pass player William Parker. Christian Broecking talks to him for the Berliner Zeitung about the importance of creative music today for a black audience, a black audience which even at his own Vision Festival is only a minority. The Vision Festival came out of the Sound Unity Festival which was started in 1983 when the German artist A.R. Penck gave 50.000 Marks to Parker and Peter Kowald to initiate a music event of their choice in New York. Music is a healing force, says Parker, and even looking at the daily bad news of today he thinks that without music it would be worse. He sees himself as the surviving member of a small tribe making music which doesn't reach the mass market. But that's okay, creativity itself won't die, and art will always be political.

Andrew Hill

Der Pianist Andrew Hill spielte am Sonntag abend beim San Francisco Jazz Festival mit seinem Quintet, und zuvor spielte das Sextett des Gitarristen Nels Cline Hills Musik. Dave Rubien vergleicht im San Francisco Chronicle die beiden Sets: "Hill zu sehen war wie einen Traum zu leben. Cline zu sehen war wie einem Psychologen bei einer Traumdeutung zuzuschauen." Hill sei schwer in eine stilistische Schublade zu stecken, meint Rubien, er wäre wahrscheinlich auch als klassischer Komponist seinen Weg gegangen, wenn er mit einer anderen Hautfarbe und zu einer anderen Zeit geboren wäre. So stark seine Musik aber auch komponiert sei, so werde sie doch durch inspirierte Improvisatoren noch erhöht. Seine Band mit Marty Ehrlich (sax), Charles Tolliver (tp), John Herbert (b) und Eric McPherson (d) habe in der Musik gewohnt als wenn sie sie atmen würden. Clines Sextett wurde im Höreindruck zum Quintett, weil Andrea Parkins' Akkordeon kaum zu hören war. Sie hätten die Elemente der Musik seziert, dem Publikum quasi gezeigt, wie das alles zusammengehört, dabei aber denn doch etwas sehr klinisch gewirkt. "Hill scheint so ein Fall zu sein, wo es besser ist zu träumen als zu denken."

The pianist Andrew Hill performed with his quintet at the San Francisco Jazz Festival on Sunday evening, and opening the concert the guitarist Nels Cline and his sextet played Hill's music as well. For the San Francisco Chronicle, Dave Rubien compares the two sets: "Watching Hill was like living a dream. Watching Cline was like seeing a psychologist analyze the dream." Hill is hard to predict or to pigeonhole, says Rubien, he would have been a great classical composer if he had been born a different color or in a different time. His music is heavily composed, yet it "achieves transcendence with a committed, inspired group of improvisers". His band with Marty Ehrlich (sax), Charles Tolliver (tp), John Herbert (b) and Eric McPherson (d) "inhabited the music like breathing". Cline's sextet became a quintet in effect because Andrea Parkins' accordion was barely audible. They dissected the elements of the music and showed the audience how the tunes are put together, the effect of which was largely clinical. "Hill seems like a case where it's better to dream than to think."

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